Para este mes de diciembre proponemos un breve ciclo dedicado a la cara irreverente de la Navidad. Tres películas que desmontan el decorado tradicional, rompen el envoltorio festivo y revelan lo que hay debajo: caos, humor negro y un espíritu contestatario que combina muy bien con estas fechas: El día de la bestia, Gremlins y Kiss Kiss, Bang Bang
Martes 9 de diciembre. Kiss Kiss, Bang Bang (Shane Black, 2005, EE.UU., 102’)
Shane Black firma un noir juguetón y ácido ambientado en una Navidad de escaparate en Los Ángeles. Un ladrón que tropieza con Hollywood, un detective sarcástico y una actriz que no logra salir de la precariedad se ven envueltos en una trama que mezcla crimen, industria y sátira.
En el debate hablaremos de cómo Shane Black usa la Navidad como contraste irónico para exponer una ciudad llena de impostura; del juego metanarrativo del narrador; de la mezcla de géneros entre el noir clásico y la comedia negra; y del modo en que la película desmantela los tópicos de Hollywood desde dentro.
Martes 16 de diciembre. Gremlins. (Joe Dante, 1984, EE.UU., 111’)
Joe Dante convierte la Navidad en un laboratorio del caos: un regalo adorable se transforma en una invasión de criaturas que atacan todo lo que la cultura popular considera “espíritu navideño”. Humor mordaz, sátira del consumismo y una mirada nada ingenua al sueño americano.
En el debate trataremos el uso del monstruo como reflejo del exceso; la crítica al consumo como religión laica; la tensión entre lo familiar y lo siniestro; y cómo Dante mezcla terror cómico con un retrato muy lúcido del miedo a que el hogar deje de ser un refugio.
Martes 30 de diciembre. El día de la bestia. (Álex de la Iglesia, 1995, España, 103’)
Álex de la Iglesia sitúa el Apocalipsis en un Madrid saturado de luces, ruido y contradicciones. Un cura obsesionado, un heavy perdido y un showman oportunista recorren una ciudad que parece fabricada con restos de anuncios, frustraciones y una energía a punto de estallar.
En el debate profundizaremos en la representación de Madrid como personaje; la mezcla de horror, sátira y cine urbano deudor del cómic; la crítica a los medios y al sensacionalismo; el choque entre fe, marginalidad y espectáculo; y el modo en que la película captura el nervio social de los años 90
Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h. Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo! A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo! Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar (5€ generalmente por bizum al 654805437
Os espera un fin de semana lleno de grandes experiencias, serán experiencias que te harán sentir muy bien ahora que el frío ha mostrado su cara por primera vez en este otoño. En este fin de semana se enciende Madrid de navidad y el espíritu festivo ya nos acompañará hasta que llegue el 2026.
Comenzamos el viernes con un fantástico concierto de Reggae a cargo de Jahcoustic Band & Sista Cheka en la Sala StairWay (San Bernardino) en Conde Duque, junto a la Plaza de España. El concierto dará comienzo a las 21:30h y antes, sobre las 21:00h, tendremos nuestro encuentro en San Bernardino 7 para tomarnos algún vermú que podremos acompañar con algo de comer.
El sábado comienza cultural y a las 11:30 nos veremos las caras en la cafetería de la Casa Encendida para desayunar y después ir a la exposición Inquietud. Libertad y democracia, organizada por Fundación Montemadrid y el Comisionado para la Celebración de los 50 años de España en libertad que reúne a más de cincuenta artistas de España y Portugal. La expo la veremos de 12:00h a 13:00h. Nos trasladaremos luego al cercano Quiosco del Casino de la Reina par disfrutar de una sesión Dj y relajarnos a la vez que no tomamos algo. A las 15:00h nos dirigimos al Mercado de San Fernando a culminar el tapeo.
Ya en la tarde, a las 17:00h, nos preparamos para la inauguración del encendido de las luces de navidad. Comenzamos con una merienda exquisita en Horchatería Alboraya. Sobre las 17:45h nos internaremos en el parque de El Retiro para ver la belleza del parque iluminado por la navidad. A las 19:30h asistiremos al acto inaugural de la navidad en Madrid y sus luces con el videomapping sobre el Palacio de Correos.
El tapeo del domingo nos lleva esta vez a Melos Moncloa (15:00h) y acabaremos el finde con un tardeo muy movidito en Tempo Audiophile Club con su Descarga Tropical
¡Te esperamos! Y ya sabéis que os podéis apuntar a todos nuestros planes en nuestro grupo de meetup de Happening Madrid
Viernes 21 21:00h: Jahcoustic Band & Sista Cheka (Reggae) en la Sala StairWay
Divertido concierto de música reggae con Jahcoustic Band & Sista Cheka este próximo viernes 21 de noviembre de 2025 a las 21:30h en la Sala Stairway (C. de San Bernardino, 8). En este enlace podéis pillar la entrada
Un sábado cultural con desayuno en la Casa Encendida, exposición Inquietud. Libertad y democracia, sesión vermú en el Casino de la Reina y Mercado de San Fernando.
Exposición Inquietud. Libertad y democracia
La exposición Inquietud. Libertad y democracia, organizada por Fundación Montemadrid y el Comisionado para la Celebración de los 50 años de España en libertad, reúne a más de cincuenta artistas de España y Portugal para reflexionar sobre los últimos cincuenta años de transición democrática en la península ibérica. Se puede ver de forma gratuira en las salas D y E de la Casa Encendida hasta el próximo 8 de marzo de 2026 El proyecto convoca la memoria histórica colectiva de España, Portugal y Europa, y propone un diálogo entre los aspectos sociales, políticos y culturales del período que va desde la década de 1970 hasta la actualidad. La muestra nos plantea una revisión crítica de lo que significaron aquellos procesos de cambio, combinando piezas de archivo, carteles, documentales, fotografía, video y nuevas creaciones artísticas. Entre los artistas representados se encuentran figuras fundamentales como Joan Miró, Antoni Tàpies, Antonio Saura, Manolo Millares y Maria Helena Vieira da Silva, junto a creadores posteriores como Paula Rego, Cristina García Rodero y colectivos emblemáticos como Equipo Crónica y Equipo Realidad. Entre las obras destacadas figuran Hombre caído de Millares, MirLta de Saura, El cortesano grotesco de Miró, He aquí el cuerpo de Tàpies y Libertad de Vieira da Silva. Aquí tenéis el enlace con toda la información https://www.lacasaencendida.es/exposiciones/inquietud-libertad-y-democracia
Sesión vermú en el Quiosco del Casino de la Reina
Sesión para disfrutar escuchando música y bailando a la vez que tomamos algo en el quiosco de El Casino de la Reina (Ronda de Toledo 9). Una sesión de 13h a 15h con Dj Pop Esponja que nos llenará de ritmo con su boogaloo, chicha y cumbia
El espacio conocido como El Quiosco del Casino de la Reina es un quiosco ubicado en el pequeño Parque del Casino de la Reina, que es un oasis verde en medio del bullicio del distrito Centro y el barrio de Lavapiés, con jardines y zonas para el esparcimiento
El Quiosco funciona como una terraza agradable bajo la sombra de los árboles del parque, ofreciendo un ambiente tranquilo alejado del tráfico, con mesas a la sombra y grandes sombrillas. Tiene una carta que incluye desayunos, aperitivos y platos de picoteo. Además, el parque es un lugar donde la gente se reúne para disfrutar del entorno, jugar a ping-pong, pasear con perros o estar con niños. Está abierto todos los días, generalmente desde la mañana hasta la medianoche, y es muy apreciado por los vecinos del barrio y visitantes por su ambiente relajado y acogedor.
En este encuentro que os proponemos para la tarde del sábado 22 de noviembre de 2025 iremos a disfrutar de un maravilloso paseo fotográfico por la iluminación navideña del Parque del Retiro y luego al ver el espectáculo de videomapping en Cibeles que abre la temporada navideña en Madrid. Antes del paseo merendaremos en un lugar espectacular como es la Horchatería Alboraya.
La iluminación en El Retiro
Este próximo sábado volverá la iluminación navideña a Madrid con su espectáculo de luz y color. En la Navidad de 2025, el Parque de El Retiro y sus alrededores volverán a contar con una iluminación especial y diferentes actividades, integrándose plenamente en el gran despliegue lumínico navideño de Madrid.
La iluminación del parque de El Retiro es especialmente gratificante ya que nos permite dar un paseo tranquilo mientras disfrutamos del bello entorno. Este espacio fue declarado Patrimonio Mundial por la UNESCO en julio de 2021 dentro de la categoría de Paisaje Cultural como “El Paisaje de la luz”·, conjunto urbano y paisajístico único en Madrid que incluye el Paseo del Prado y el Parque del Retiro, junto con otros espacios culturales e históricos del centro de la ciudad.
El encendido de las luces de Navidad en el Parque de El Retiro el sábado 22 de noviembre de 2025 será a las 18:00 horas, que es el horario general de inicio del alumbrado navideño en Madrid para ese día. Aunque el acto principal de inauguración con el encendido oficial y espectáculo será en la Plaza de Cibeles a las 19:00 horas. El alumbrado funcionará hasta la medianoche ese día, de acuerdo con el horario de domingos a jueves de 18:00 a 00:00 horas.
El Parque de El Retiro en 2025 lucirá nuevo alumbrado cálido, vidrieras luminosas en su entrada principal por la Puerta de Alcalá, y estará rodeado de figuras espectaculares a lo largo del cercano Paseo del Prado. Toda esta iluminación estará acompañada por una programación navideña cultural para todas las edades
La merienda en Horchateria Alboraya
La Horchatería Alboraya, ubicada en Madrid (calle Alcalá), es una heladería y horchatería artesanal muy recomendada, especializándose en horchata, leche merengada, helados artesanos y fartons (bollería típica para acompañar la horchata). Su horchata es considerada una de las mejores de Madrid, muy fresca y con varias opciones como líquida, granizada o mixta.
Es un establecimiento que cuida mucho la elaboración artesanal, destacando además sus helados y bollería, con productos muy bien valorados por los clientes. Su ambiente es agradable, con opción de terraza para verano y cafetería con carta de dulces (tartas, crepes, tortitas, gofres) para merendar en invierno.
Para merendar se recomienda acompañar la horchata con los fartons caseros, que son tiernos y muy sabrosos. También se pueden disfrutar de helados artesanos, granizados, leche merengada y diversas pastas y dulces tradicionales valencianos. La horchatería es un clásico en Madrid para quienes buscan un buen producto tradicional valenciano bien elaborado, ideal para una auténtica.
La Magia de la Luz: El Espectáculo de Videomapping que Encenderá la Navidad de Madrid
Madrid se prepara para la Navidad 2025, y el pistoletazo de salida no puede ser más espectacular. Este sábado 22 de noviembre, a las 19:30 h, la Plaza de Cibeles se convertirá en el epicentro de la ilusión para inaugurar la temporada navideña.
El plato fuerte, justo antes del esperado encendido de luces, será un impresionante espectáculo de videomapping que transformará la icónica fachada del Palacio de Cibeles en un lienzo onírico.
Bajo el título «La energía de la Navidad», esta proyección inmersiva nos invita a un viaje visual. La narrativa es simple, pero poderosa: la luz de la Navidad nace en cada uno de nuestros hogares madrileños, y desde allí, se propaga con fuerza para inundar cada rincón de la capital.
Gracias a la combinación de la última tecnología 3D y la inteligencia artificial, el videomapping crea texturas hiperrealistas y efectos visuales que te dejarán sin aliento. Es un espectáculo diseñado para verse y sentirse
Este videomapping será el preámbulo perfecto para el momento culminante: el encendido oficial de las luces. Este año, el honor recaerá en una figura de leyenda del deporte español, el piloto Carlos Sainz. Y para poner la banda sonora a esta noche mágica, disfrutaremos de la actuación estelar del artista Pablo López.
Punto de encuentro y planning del meetup
Quedaremos a las 17:00h en la Horchateria Alboraya (Calle de Alcalá, 125). El <M> más cercano es Príncipe de Vergara, que está justo al lado.
Sobre las 17:45h iremos al parque de El Retiro y daremos un paseo de alrededor de 90’ en donde veremos la recién estrenada iluminación.
A las 19:15h saldremos del parque por la Puerta de Alcalá para llegar al espectáculo de inauguración de la iluminación navideña que tendrá lugar en la plaza de Cibeles con el espectáculo de videomapping «La energía de la Navidad».
Precio y reservas
El precio de inscripción al meetup es de 5€. Gratis para socios de Happening Madrid.
Este domingo nos vemos a las 15:00h en Melos Moncloa. Tocan sus clásicos: zapatillas enormes como un manifiesto, croquetas serias y ese tapeo castizo que en Moncloa resiste intacto al paso de las modas.
Después, un café por la zona —hay varios que cumplen— y rumbo a Tempo Club, donde nos espera la Descarga Tropical, el ritual dominical que convierte la Sala Lounge en un pequeño cruce de caminos afro-latino.
La sesión reúne a coleccionistas y melómanas de Colombia y Perú que pinchan desde raíces profundas: música tropical colombiana, afro-latina, cumbia de archivo, perlas inesperadas del funk y el soul, y ese punto electrónico que no busca postureo, sino energía y continuidad. Es un viaje musical con herencia, ritmo y carácter.
⏰ 17:30–23:00 📍 Tempo Club – Sala Lounge 🎟️ Entrada libre
Un domingo de los que dejan cuerpo contento y cabeza afinada.
Precio y reservas
El precio de inscripción al meetup es de 5€. Gratis para socios de Happening Madrid.
La agenda de las experiencias Happening del 21 al 23 de noviembre de 2025
V21 21:00h Vermú San Bernardino 7 V21 21:30h Jahcoustic Band & Sista Cheka (Reggae). Sala StairWay S22 11:30h Desayuno en la Casa Encendida S22 12:00 Exposición Inquietud.Libertad y Democracia S22 13:00h Casino de la Reina – Sesión Vermú S22 15:00h Mercado de San Fernando S22 17:00h Merienda Horchateria Alboraya S22 17:45h Paseo luces de El Retiro S22 19:30h Videomapping Cibeles D23 15:00h Melos Moncloa D23 17:00h Descarga Tropical en Tempo Club
Un fin de semana lleno de sorpresas: tabernas centenarias, teatro, Chueca, tapeo, Barrio de las Letras, Happening Soul Train Underground en Muller, Tardeo Indie, Exposición Mil y Un Quijotes, comida japo oriental en Maco y Karaoke.
El jueves 6 de noviembre a las 21:00h se estrena REENCUENTRO en la Sala AZarte, un monólogo de Walter de la Reta, con texto de María Inés González y Miguel Ángel Cárcano.
La obra trata sobre Juan y Alberto, dos amigos de la universidad que se reencuentran tras veinte años sin verse. En otra época, uno se llevaba el mundo por delante y el otro era el típico perdedor, pero años de frustraciones y triunfos los han puesto en otro lugar. Alberto cree que toca un ajuste de cuentas, sin saber que Juan también necesita algo de él. Como dos caras de una misma moneda, cada uno de ellos es parte del otro.
A las 20:15 quedamos en la Taberna Ángel Sierra (C/ Gravina, 11) entrando por su puerta de la Calle de San Gregorio. La taberna se encuentra en la mismísima plaza de Chueca. Es un lugar único y centenario con un excelente vermú de grifo.
A las 21:00h dará comienzo la obra en la Sala Azarte, que se encuentra muy cerca
Volvemos al tardeo indie de Madrid (https://tardeomadrid.es/) para comenzar el 2025. Indie & Hits desde las 18:00 hasta las 00:00 en el Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7) Tres Djs para en cada sesión Entrada gratuita con invitaciones para Happening Madrid toda la tarde Entradas e invitaciones en: https://tardeomadrid.es/
El punto de encuentro será en el bar Los Pinchitos (C. de los Madrazo, 7) donde quedaremos para reunirnos y tomarnos la primera caña a las 18:00h. Sobre las 18:45h entraremos en el Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7) para disfrutar el tardeo. Dependiendo de los asistentes y de aquello que queráis después del tardeo iremos a tomar algo y seguiremos por la noche.
Precio de la inscripción al meetup
El precio de inscripción al meetup es de 5€. Gratis para socios de Happening Madrid.
Comenzamos este domingo 9 de Noviembre de 2025, día de la Almudena, en el Espacio Cultural la Serrería Belga(C. de la Alameda, 15) en donde veremos la exposición Mil y Un Quijotes. Allí quedaremos a las 13:00h.
A las 13:00h en la entrada del Espacio Cultural la Serrería Belga (C. de la Alameda, 15)
De 13:15h a 14:30h estaremos en la Serrería Belga viendo la exposición Mil y Un Quijotes
Nos veremos a las 14:30h en la puerta de entrada de la Serrería Belga para emprender el camino hacia Macao Príncipe. Un paseo de un km que nos llevará desde la Calle de la Alameda hasta la Calle del Príncipe por la Calle de Huertas.
A las 15:00h tenemos la reserva a mi nombre (Ángel Chamorro) para comer en Macao Príncipe. Tenemos varias opciones muy baratas y apetecibles. En principio he reservado 8 plazas con 30% de descuento en carta. Según os vayáis apuntado y me vayáis diciendo iré reservando más espacio.
Sobre las 17:00 iremos al Cheers Karaoke (C. de las Huertas, 50).
Precio y reservas
El precio de inscripción al meetup es de 5€. Gratis para socios de Happening Madrid.
Resumen de las experiencias Happening del 6 al 9de Noviembre de 2025
Jueves 6
20:15 Taberna Ángel Sierra (C/ Gravina, 11) 21:00h Sala Azarte (C. de San Marcos, 19)
Viernes 7
22:00h Cervecería El Diario a las 22:00h (C/ Huertas, 69). 23:30h Muller Bar (C/ Huertas 38)
Sábado 8
18:00h Bar Los Pinchitos (C. de los Madrazo, 7) 18:45 Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7)
Domingo 9
13:00h Espacio Cultural la Serrería Belga (C. de la Alameda, 15) 15:00h Macao Príncipe (c/ Príncipe, 16 ). 17:00h Cheers Karaoke (C. de las Huertas, 50)
En el mes de noviembre en nuestre Cine Debate “Un conejo con ojo” combinamos humor con terror para traeros un ciclo de cuatro películas “Terroríficamente divertidas”. Comenzaremos el martes cuatro con An American Werewolf in London (Un hombre lobo americano en Londres) el clásico de 1981 del director John Landis. AL segunda entrega para el 11 de noviembre será What We Do in the Shadows (Lo que hacemos en las sombras) del año 2014 y dirigida por Taika Waititi & Jemaine Clement. El martes 21 tendrá su turno Evil Dead II(Terrorificamente muertos) de Sam Raimi del año 1987. Cerramos el ciclo con The Rocky Horror Picture Show el clásico de culto del año 1975 dirigido por Jim Sharman
¡Nos esperan unas divertidísimas y aterradoras veladas de cine y charla!
Te esperamos cada martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir maravillosa películas y debates. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
🐺 An American Werewolf in London (John Landis, 1981). Metamorfosis, culpa y humor negro.
¿Qué hace que este film mantenga su equilibrio entre el miedo y la comedia sin volverse parodia? ¿La transformación del protagonista es castigo, liberación o simple destino biológico? ¿El humor atenúa el horror o lo hace más humano?
Evil Dead II (Sam Raimi, 1987). Exceso, cuerpo, delirio
¿Por qué el humor físico resulta tan efectivo en medio del gore? ¿Dónde termina el terror y empieza la autoparodia? ¿Es Ash un héroe o un payaso trágico del caos?
🧛 What We Do in the Shadows (Taika Waititi & Jemaine Clement, 2014). La inmortalidad doméstica.
¿Qué revela esta comedia sobre nuestra necesidad de normalizar incluso lo monstruoso? ¿Se burla de los vampiros o los humaniza? ¿Qué queda del mito cuando lo convertimos en rutina?
👠 The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975). Transgresión, · identidad, ritual
¿Por qué esta película sigue siendo un acto de liberación medio siglo después? ¿Es una parodia del terror o un himno al exceso como forma de libertad? ¿Qué lugar ocupa el público: espectador, creyente o cómplice?
An American Werewolf in London (John Landis, 1981). Metamorfosis, culpa y humor negro
Acerca de
Abrimos el ciclo de noviembre “Terroríficamente Divertidas” con An American Werewolf in London (Un hombre lobo americano en Londres) , el clásico de John Landis que combinó el mito del hombre lobo con una mezcla de comedia negra, romance trágico y terror visceral. Estrenada en 1981, fue una rareza en su tiempo: una película capaz de hacer reír, pero también de helarte la sangre.
Landis, conocido por su sentido del ritmo cómico, encontró aquí el equilibrio imposible entre el horror puro y la ironía británica. Dos jóvenes americanos recorren a pie los páramos de Yorkshire y, tras un ataque de una criatura salvaje, uno de ellos muere y el otro sobrevive… para descubrir que lleva dentro la maldición del licántropo. Lo que sigue no es solo una historia de terror, sino una comedia macabra sobre la culpa, la transformación y el instinto reprimido.
En An American Werewolf in London, el humor surge del desconcierto que produce ver cómo lo cotidiano se corrompe por lo sobrenatural. Lo que parece una broma cruel del destino se convierte en una parábola sobre la pérdida del control y la imposibilidad de huir de lo que somos.
Sinopsis
David y Jack son dos amigos estadounidenses que viajan por Inglaterra haciendo autostop. En mitad de la noche llegan a un pueblo donde son recibidos con frialdad en un pub cuyo nombre The Slaughtered Lamb. Pese a las advertencias, se internan en la niebla y son atacados por una criatura monstruosa. Jack muere, David sobrevive con heridas que pronto revelan su verdadera naturaleza. Mientras su amigo reaparece desde el más allá para advertirle, David intenta aferrarse a una vida normal en Londres… hasta que la luna llena reclama su precio.
El debate. Los temas de An American Werewolf in London
La película entrelaza humor, horror y tragedia. Algunos de los temas que de los que hablaremos son:
La metamorfosis y el cuerpo como enemigo
La transformación física es un momento de máxima angustia. El humor se congela y el cuerpo se convierte en una cárcel.
La culpa y la herencia de la violencia
Nuestro protagonista, David, no elige su destino, pero debe cargar con el peso de cada muerte.
El humor como defensa frente al horror
Las bromas de Jack o la ironía de las situaciones no alivian, sino que subrayan el absurdo de lo inevitable.
El choque cultural
Un americano perdido en la tradición inglesa del horror gótico: el extranjero como monstruo literal.
El deseo reprimido
La relación entre David y la enfermera Alex es tan tierna como trágica; el deseo humano convive con el animal interior.
La soledad del condenado
La licantropía más que castigo divino se convierte en un aislamiento existencial.
Las preguntas para el debate
¿Qué simboliza la transformación del protagonista: el despertar de la violencia, la pérdida de identidad o la naturaleza humana desatada? ¿El humor ayuda a sobrellevar el horror o lo vuelve más inquietante? ¿Hasta qué punto el film ridiculiza o dignifica el mito del hombre lobo? ¿Qué relación hay entre el deseo, la culpa y la transformación? ¿Por qué la película nos hace empatizar con el monstruo y no con los humanos? ¿Podemos leer la historia como una metáfora del trauma o de la adolescencia —ese momento en que el cuerpo cambia y asusta? ¿Qué aporta el tono británico al humor negro del relato? ¿Por qué el final, tan brutal, resulta inevitablemente melancólico?
John Landis escribió el guion de An American Werewolf in London en 1969, cuando tenía apenas dieciocho años y trabajaba como asistente en Yugoslavia durante el rodaje de Kelly’s Heroes. Inspirado por un entierro gitano que presenció —en el que los aldeanos cubrieron el cuerpo con ajo y sellaron la tumba con cadenas “para que no saliera”—, Landis concibió una historia donde el terror y la risa podían convivir sin traicionarse. Pasarían más de diez años antes de que los estudios se atrevieran a financiarla: nadie entendía cómo una película podía ser demasiado divertida para ser de terror, y demasiado sangrienta para ser comedia.
Finalmente, en 1981, con el éxito de Animal House y The Blues Brothers, Landis consiguió la luz verde para su proyecto. Rodó entre Gales y Londres con un presupuesto de unos 10 millones de dólares. Los efectos especiales quedaron a cargo de Rick Baker, cuyo trabajo en la transformación de David (David Naughton) a lobo cambió para siempre la historia del maquillaje cinematográfico: fue tan innovador que la Academia creó un nuevo premio, el Oscar al Mejor Maquillaje, solo para reconocer su logro.
Recepción de la crítica
En su estreno, An American Werewolf in London dividió a la crítica. Algunos la consideraron una blasfemia tonal; otros, una genialidad. The New York Times la describió como “una sátira brillante escondida en una pesadilla”, mientras The Guardian la tachó de “groseramente desequilibrada”. Sin embargo, Roger Ebert la defendió como una obra de terror moderna con un sentido del humor cruelmente humano. El público, en cambio, la entendió de inmediato: se rieron, se asustaron, y salieron del cine tarareando Blue Moon.
Éxito comercial
Estrenada el 21 de agosto de 1981, la película fue un éxito rotundo en taquilla. Recaudó más de 60 millones de dólares en todo el mundo —seis veces su presupuesto— y se mantuvo semanas entre las más vistas tanto en EE. UU. como en Reino Unido. Su mezcla de horror gráfico, ironía pop y banda sonora compuesta solo por canciones que mencionan la luna (de Sam Cooke a Creedence Clearwater Revival) se volvió irresistible para el público joven.
Cómo se convierte en película de culto
Con el tiempo, la película encontró su lugar más allá del éxito comercial. En los noventa y dos mil, las proyecciones en cines de medianoche, las ediciones especiales en VHS y luego en Blu-Ray consolidaron su estatus de culto. El humor negro, los efectos prácticos de Baker y el retrato melancólico del monstruo resonaron con una generación que buscaba ironía sin perder emoción. An American Werewolf in London no solo modernizó al hombre lobo; lo volvió trágico, cómico y profundamente humano. Esa mezcla —tan improbable— es lo que mantiene viva su mitología.
Qué significa para el cine actual
Hoy se considera una de las película que marcó el paso del horror clásico al horror moderno. La película demostró que el género de terror podía combinarse con la comedia sin caer en la parodia. Su tono —a medio camino entre la tragedia y la carcajada— anticipa la sensibilidad del cine contemporáneo. Además, An American Werewolf in London fue pionera en tratar la transformación física con realismo doloroso, abriendo el camino al body horror psicológico y emocional.
Influencia en otras películas y directores
Edgar Wright (director de Shaun of the Dead) ha citado la película como su modelo perfecto de comedia de terror equilibrada.
John Landis influenció a Sam Raimi, cuyo Evil Dead II repite esa combinación de slapstick y horror visual.
Neill Blomkamp, Guillermo del Toro y Jordan Peele han reconocido su deuda con la forma en que Landis usa el humor para revelar el miedo social y la violencia reprimida.
La transformación de David inspiró directamente los efectos de The Thing (1982) de John Carpenter y The Fly (1986) de David Cronenberg.
En la cultura popular, desde Thriller (el videoclip de Michael Jackson, también dirigido por Landis) hasta Teen Wolf, su sombra se extiende sobre toda representación del monstruo como víctima.
En resumen
An American Werewolf in London, aparte de ser unapelícula de terror con toques de humor es una reflexión disfrazada de broma sobre la culpa, el deseo y el miedo a uno mismo. Un film que enseñó que reírse del monstruo más real pero no menos aterrador.
La banda sonora de An American Werewolf in London
Toda la banda sonora de An American Werewolf in London está compuesta por canciones que mencionan la luna. Mientras David se desintegra entre culpa, deseo y pelaje, suena un jukebox cósmico sobre romanticismo lunar y transformaciones inevitables.
“Blue Moon” – Bobby Vinton (1961) Suena en los créditos iniciales. Melosa, casi empalagosa, establece el tono de humor negro: el romanticismo de una balada sobre amor perdido frente a un ataque salvaje en los páramos.
“Bad Moon Rising” – Creedence Clearwater Revival (1969) Acompaña una de las escenas más inquietantes: David, ajeno a lo que le espera, se prepara para transformarse. El estribillo (“I see a bad moon rising”) funciona como profecía y burla a la vez.
“Moondance” – Van Morrison (1970) Suena durante la escena amorosa entre David y Alex. La luna aquí deja de ser presagio para volverse erotismo: un baile antes de la condena.
“Blue Moon” – Sam Cooke (1960) Reaparece en versión soul, envolviendo la soledad del protagonista con una calidez engañosa.
“Blue Moon” – The Marcels (1961) Cierra la película. La versión más festiva y absurda del tema suena justo después del desenlace más trágico, en un contraste brutal: la risa del destino sobre los créditos.
El uso de estas canciones no es casualidad. Landis sustituye la partitura orquestal típica de las películas de terror de entonces por música popular que ironiza sobre la tragedia. Es como si la radio siguiera sonando indiferente al sufrimiento del monstruo convirtiendo en horror en sátira.
Acerca del director
John Landis (Chicago, 1950) es uno de los grandes nombres del cine comercial estadounidense de los años 80. Se formó trabajando como asistente en rodajes europeos antes de debutar con Schlock (1973). Alcanzó fama mundial con las comedias National Lampoon’s Animal House (1978) y The Blues Brothers (1980), que definieron el humor anárquico de su generación.
Con An American Werewolf in London (1981) fusionó terror y comedia como nadie había hecho antes, abriendo camino a un nuevo tipo de horror híbrido. También dirigió el videoclip Thriller de Michael Jackson (1983), el más influyente de la historia, y películas como Trading Places (1983) o Coming to America (1988).
Landis es celebrado por su dominio del ritmo cómico, su amor por la cultura pop y su capacidad para convertir lo grotesco en espectáculo.
🧛 What We Do in the Shadows (Taika Waititi & Jemaine Clement, 2014). La inmortalidad doméstica.
Acerca de
Dentro del ciclo “Terroríficamente divertidas” llega este próximo martes What We Do in the Shadows (Lo que hacemos en las sombras), la comedia vampírica de culto firmada por Jemaine Clement y Taika Waititi. Rodada como un falso documental, muestra la vida cotidiana de cuatro vampiros que comparten piso en Wellington, Nueva Zelanda. Conviven entre facturas, tareas domésticas y fiestas del inframundo. Son inmortales, pero también torpes, narcisistas y ridículamente humanos.
La película desmitifica el horror con un humor absurdo y melancólico: los vampiros no dominan la noche, la sobreviven. Entre peleas por los platos sin fregar y rivalidades con hombres lobo (“no hombres perro”), aflora una ternura inesperada hacia estos seres eternamente fuera de lugar.
Sinopsis
Viago, Vladislav, Deacon y Petyr son vampiros que viven juntos desde hace siglos. Un equipo de documentalistas los sigue para mostrar su día a día: cómo se visten sin reflejo, cómo intentan entrar en clubes sin ser invitados o cómo lidian con la modernidad. Todo cambia cuando convierten accidentalmente en vampiro a un joven mortal, Nick, que les abre las puertas del siglo XXI —redes sociales incluidas—. Pero la inmortalidad, entre tareas del hogar y noches de ligoteo, resulta menos glamourosa de lo esperado.
El vampiro deja de ser símbolo de poder o deseo para volverse una figura patética, doméstica, casi entrañable.
La convivencia y la eternidad
La inmortalidad no libra de los conflictos de pareja, del tedio o del desorden compartido.
El choque entre lo antiguo y lo moderno
Las sombras góticas se disuelven bajo la luz de la era digital: selfies, internet, fiestas techno.
El humor como medicina frente al miedo
La comedia revela la fragilidad del mito: reírse de lo eterno es quizá la forma más humana de enfrentarlo.
El monstruo como espejo social
Los vampiros, marginados por naturaleza, encarnan la soledad y la necesidad de pertenecer en un mundo que ya no los entiende.
Preguntas para el debate
¿Hasta qué punto el humor desacraliza o actualiza el mito vampírico? ¿Son los personajes caricaturas o retratos fieles de la soledad moderna? ¿Qué nos dice la película sobre la convivencia y el tiempo compartido? ¿Se puede seguir siendo un “monstruo” en una sociedad que ya banaliza el horror?
La banda sonora de What We Do in the Shadows (2014)
La banda sonora de What We Do in the Shadows (2014) es una mezcla de humor, exotismo y melancolía que acompaña el periplo de los vampiros de Wellington en su rutina tragicómica. Un collage de canciones que van desde lo folclórico al pop irónico.
El tema central es “You’re Dead” de Norma Tanega (1966), una joya olvidada del folk-rock estadounidense que el film rescató del olvido. Con su ritmo ligero y su letra (“Don’t sing if you want to live long”) se convierte en un himno, que fúnebre y juguetón es una perfecta síntesis del espíritu de la película: la muerte como compañera cotidiana, el humor como defensa frente al vacío.
A su lado aparecen piezas como “Skocne” de The Black Ox Orkestar, con su aire de música klezmer que evoca la antigüedad y el nomadismo de estos vampiros anacrónicos, o temas de The Phoenix Foundation, banda neozelandesa responsable de varios cortes instrumentales que aportan textura y ritmo a la vida nocturna de Wellington.
El resultado es una banda sonora que funciona como un espejo sonoro del film: una mezcla entre lo antiguo y lo contemporáneo, lo solemne y lo absurdo.
Historia de la película
Clement y Waititi partieron de un corto homónimo rodado en 2005. Tras casi una década de desarrollo y financiación independiente, el largo se estrenó en 2014 en Sundance y conquistó a crítica y público con su mezcla de humor seco, gore artesanal y sátira de reality show. El rodaje fue en gran parte improvisado: los actores trabajaron sin guion cerrado, construyendo los gags a partir de situaciones reales del día a día.
Recepción crítica
La prensa la aclamó por reinventar la comedia de terror. Variety la llamó “una joya de humor muerto-vivo”; The Guardian la describió como “una lección de inteligencia disfrazada de broma”. En Rotten Tomatoes supera el 95% de valoraciones positivas.
Éxito comercial
Con apenas 1,6 millones de dólares de presupuesto, recaudó más de 7 en todo el mundo, convirtiéndose en fenómeno global gracias al boca a boca y a su humor universal.
Película de culto
El film dio pie a una saga inesperada: la serie homónima (2019–), premiada y aún en emisión, que amplía su universo con nuevos personajes. Sus diálogos se citan, sus memes circulan, y su tono marca un nuevo canon para la comedia sobrenatural.
Qué significa para el cine actual
What We Do in the Shadows confirmó el talento de Waititi, futuro autor de Jojo Rabbit y Thor: Ragnarok, y revitalizó el género vampírico sin necesidad de romanticismo. Su mirada tragicómica sobre la inmortalidad —más cerca del piso compartido que del castillo gótico— inauguró una corriente de terror cotidiano que hoy impregna series y películas de autor.
Influencia en otras películas y directores
La combinación de documental, sátira y horror inspiró obras como The Office of the Dead, Only Lovers Left Alive de Jarmusch, o incluso Renfield.Edgar Wright y Jordan Peele han citado su ingenio estructural como referente de cómo abordar géneros con ironía sin perder respeto por sus mitos.
En resumen
Una comedia negra que demuestra que los monstruos, con siglos encima, siguen preocupándose por las mismas nimiedades que nosotros. What We Do in the Shadows no se ríe del horror, sino con él. Es la prueba de que la inmortalidad también pasa por el absurdo.
Jemaine Clement (Nueva Zelanda, 1974) y Taika Waititi (Nueva Zelanda, 1975) se conocieron en la universidad y formaron el dúo cómico The Humourbeasts. Su estilo combina humor seco, parodia cultural y ternura bajo el absurdo. Waititi, más tarde ganador del Oscar por Jojo Rabbit, ha convertido la ironía melancólica en su firma. Clement, por su parte, es también músico y actor (Flight of the Conchords). Ambos representan una generación que entendió que reírse de los monstruos es la mejor forma de recordar que alguna vez lo fuimos.
🪓 Evil Dead II (Sam Raimi, 1987). Exceso, cuerpo y delirio
Acerca de
Dentro del ciclo “Terroríficamente divertidas” os traemos esta semana Evil Dead II, dirigida por Sam Raimi. Estrenada en 1987, esta película mezcla terror, comedia y efectos especiales artesanales en una propuesta visual que se convirtió en referente del género. Más que una secuela, es una nueva versión del primer Evil Dead (1981), con mayor presupuesto, un tono más irónico y un ritmo vertiginoso.
Bruce Campbell interpreta a Ash Williams, un joven que regresa a una cabaña aislada donde, tras escuchar una grabación con pasajes del Necronomicon Ex-Mortis, despierta una fuerza demoníaca. El resultado es una sucesión de escenas extremas en las que el protagonista lucha contra espíritus, objetos poseídos y su propia mente.
Sinopsis
Ash y su novia Linda se alojan en una cabaña en medio del bosque. Allí descubren una grabación de un arqueólogo leyendo el Libro de los Muertos, lo que desata la posesión de los cuerpos y el caos sobrenatural. Ash intenta sobrevivir en un entorno que se vuelve hostil: puertas que se mueven solas, muebles que se ríen, sangre por todas partes.
A lo largo de la noche llegan nuevos personajes, pero la amenaza ya ha tomado el control. La película mantiene una tensión constante entre el horror y el humor físico, con una narrativa que combina el ritmo del cómic con la energía del cine experimental.
Los temas principales de Evil Death II
El cuerpo y la transformación
El cuerpo humano aparece como espacio de lucha y deformación, elemento central del horror físico.
El humor en el terror
Raimi utiliza la exageración y el absurdo como forma de aliviar la tensión y mantener el ritmo.
El mal como presencia abstracta
la amenaza no tiene rostro ni explicación; es una fuerza invisible que domina el espacio.
El héroe accidental
Ash evoluciona de víctima a figura central del género, caracterizado por su resistencia y su humor.
El estilo visual
el movimiento de cámara se convierte en protagonista, representando la energía descontrolada del mal.
Preguntas para el debate
¿Por qué Evil Dead II logra equilibrar el miedo y la risa sin perder tensión?
¿Qué aporta su lenguaje visual al cine de terror moderno?
¿Puede considerarse una parodia del propio género o una evolución dentro de él?
La banda sonora
Joseph LoDuca compone una música que combina orquesta, sintetizadores y sonidos ambientales. El resultado es una partitura que refuerza tanto las escenas de terror como las de humor grotesco. Los efectos sonoros —voces distorsionadas, risas, golpes— actúan como parte de la atmósfera, integrados en la narración sonora.
Historia de Evil Death II
Producción y rodaje
Después del éxito del primer Evil Dead, Raimi y Bruce Campbell repitieron colaboración con un presupuesto mayor y la producción de Dino De Laurentiis. El rodaje se realizó en Carolina del Norte, en condiciones técnicas complejas debido a la cantidad de efectos prácticos y maquillaje. Raimi empleó innovaciones en cámara y montaje para intensificar la sensación de movimiento.
Recepción y legado
En su estreno, la película sorprendió por su tono autoparódico y su creatividad visual. Con el tiempo se consolidó como una de las obras más influyentes del cine de terror moderno. Críticos como los de Empire o The New York Times destacaron su originalidad y su mezcla de géneros.
El éxito posterior dio lugar a Army of Darkness (1992) y a la serie Ash vs Evil Dead (2015–2018).
Importancia en el cine contemporáneo
Evil Dead II redefinió la forma de entender el terror en los años ochenta, abriendo paso a un estilo más autorreferencial y dinámico. Su influencia se percibe en directores como Peter Jackson, Edgar Wright o Robert Rodriguez, y en películas que combinan humor y horror como Shaun of the Dead o Cabin in the Woods.
Sam Raimi (Michigan, 1959) es un cineasta estadounidense conocido por su estilo visual enérgico y su capacidad para unir humor y terror. Tras dirigir Evil Dead (1981) y Evil Dead II (1987), alcanzó gran reconocimiento con Spider-Man (2002–2007). Su obra se caracteriza por el uso de cámara dinámica, montaje acelerado y una visión creativa del miedo como espectáculo cinematográfico.
The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975). Transgresión, · identidad, ritual
Acerca de
La cuarta entrega del ciclo “Terroríficamente divertidas” es The Rocky Horror Picture Show (El show de terror de Rocky), el clásico de Jim Sharman que revolucionó el cine musical y de culto con una mezcla irreverente de ciencia ficción, humor absurdo y horror camp. Estrenada en 1975, la película fue una rareza en su tiempo: un espectáculo capaz de desafiar normas sociales tradicionales y construir un universo de liberación sexual y expresividad sin precedentes.
Sharman, junto con el creador Richard O’Brien, logra equilibrar la extravagancia visual con una crítica social velada. Dos recién prometidos, Brad y Janet, sufren una avería y buscan refugio en un castillo habitado por el extravagante Dr. Frank-N-Furter, un científico travesti que ha creado a Rocky Horror, un hombre perfecto. Lo que sigue es un viaje a lo surrealista y camp donde lo cotidiano se trastoca en una fiesta de identidad y deseo desbordado.
Sinopsis
Brad y Janet, una pareja tradicional y conservadora, se ven atrapados en la noche más inesperada de sus vidas al llegar por accidente al castillo del Dr. Frank-N-Furter. Allí participan en una extravagante convención donde la sexualidad se libera sin tabúes y la cultura camp explota en números musicales y personajes excéntricos. Frank-N-Furter seduce a ambos jóvenes, presentando a su creación Rocky Horror, mientras la fiesta da paso a la revelación, la violencia y finalmente la destrucción por parte de sus sirvientes Riff Raff y Magenta, originarios de la galaxia Transilvania.
Temas que aborda The Rocky Horror Picture Show
Identidad y liberación sexual: Un cuestionamiento radical de las normas de género y sexualidad.
La cultura camp como celebración y crítica social.
Parodia del cine B, ciencia ficción y horror clásicos.
La ruptura de paradigmas conservadores a través del humor y la extravagancia.
El poder del deseo y la transformación como motores de la historia.
El debate. Preguntas para reflexionar:
¿Qué simboliza Frank-N-Furter como figura de la liberación y subversión? ¿Hasta qué punto The Rocky Horror Picture Show desafía o reafirma estereotipos? ¿Cómo influye la cultura camp en la recepción de la película? ¿Es Frank-N-Furter un monstruo, un héroe o ambas cosas? ¿Qué papel juega el espectador en la experiencia interactiva que ofrece esta película de culto?
Historia de la película The Rocky Horror Picture Show
The Rocky Horror Picture Show se estrenó en 1975 y no fue un éxito inmediato, pero el boca a boca y las sesiones de medianoche la convirtieron en un fenómeno que trasciende generaciones. El carisma de Tim Curry como Frank-N-Furter es icónico. La película ha inspirado incalculables representaciones teatrales, celebraciones y una comunidad de seguidores que mantienen vivo su legado.
La película nace del musical original creado por Richard O’Brien y fue dirigida por Jim Sharman, quien junto a su equipo logró trasladar al cine un espectáculo que desafiaba las convenciones. En una época de restricciones morales, la audacia de la cinta fue inusual, pero la libertad creativa y temática que ofrecía resultó revolucionaria para su tiempo, abriendo camino para la representación queer y la cultura camp en el cine.
Recepción de la crítica
En su estreno, la película dividió opiniones, siendo alabada por su originalidad y criticada por su contenido poco convencional. A lo largo de los años, ha sido revalorizada como una obra maestra de culto, con su mezcla de humor, música y provocación humana como elemento clave para crear una comunidad que celebra la diversidad y la irreverencia.
Éxito comercial y cultural
Aunque no fue un éxito inmediato en taquilla, The Rocky Horror Picture Show se consolidó como película de culto con proyecciones en cines de medianoche y un público que interactúa con la cinta, haciendo de cada sesión una experiencia colectiva única. Su banda sonora, llena de canciones pegadizas y números icónicos, es parte fundamental de su encanto.
Cómo se convirtió en película de culto
El fenómeno de las proyecciones interactivas supuso que la película no solo se viera sino se viviera, con disfraces, diálogos y actuaciones simultáneas en las salas. Este tipo de vínculo con el público reforzó su esencia de celebración de la diferencia y libertad.
Qué significa para el cine actual
The Rocky Horror Picture Show es un referente imprescindible en la representación queer, el cine musical y el camp. Mostró que el cine puede ser un espacio de liberación, cuestionamiento y transformación social mediante el humor y la extravagancia.
Influencia en otras películas y directores
El legado de Rocky Horror se puede rastrear en el cine independiente, las representaciones teatrales queer y el cine musical moderno. Su influencia cultural atraviesa géneros y generaciones. Figuras icónicas como John Cameron Mitchell y directores de cine queer citan la película como un icono que cambió las reglas del cine.
En resumen
The Rocky Horror Picture Show es mucho más que una comedia musical o una película de terror: es una reflexión festiva sobre la identidad, la liberación y la celebración radical de la diferencia que sigue inspirando y reuniendo a un público diverso y apasionado.
Con canciones como “Time Warp” y “Sweet Transvestite”, la música es una parte esencial que conjuga el espíritu rebelde y lúdico de la película, siendo un jukebox atemporal que acompaña las transformaciones y emociones intensas de sus personajes.
Acerca del director
Jim Sharman, director visionario, y Richard O’Brien, creador y autor del musical original, combinaron su talento para crear una obra que trastocó los cánones culturales de su época y se mantiene vigente como un ícono del cine de culto y la cultura pop.
Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar con
– Una aportación de 3€ ó
– Una aportación de 5€
El pago lo podéis hacer por bizum al 654.80.54.37 o allí mismo al finalizar el cine debate.
y además debés de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números.
Muchas e interesantes propuestas os traemos para este finde: La merienda perfecta del Nubel, la exposición de Maruja Mallo en el Museo Reina Sofia, el festival de la música y la tapa en Lavapiés con la 15 edición de Tapapiés, las tapas de la Refiná en Carabanchel, el festival de conciertos en Madreams con Jota Ke Iberikal Pak y The wrong Pills, el excelente tapeo del Malamé en el Mercado de Tirso de Molina y ya para terminar la inauguración de el tardeo Ciento Cero Madrid en el Teatro Magno con Second.
Las tardes de viernes de merienda en Nubel y exposición en el Museo Reina Sofía son ideales para calentar motores para el fin de semana. Esta vez nos vamos a ver la exposición de Maruja Mallo, Máscara y Compás. Antes probaremos lo que dicen que es “la merienda perfecta”
Siguiendo la costumbre inglesa de la hora del té desde Nubel nos proponen este British Afternoon Tea que nos parece un auténtico lujo asiático. Por 19€ nos vamos a zampar todo esto que podéis ver en este enlace:
Si queréis esta impresionante merienda tendréis que reservarla y pagarla en este enlace. La reserva hay que hacerla para el viernes 17 de octubre a las 17:00h
La exposición de Maruja Mallo, Máscara y compás estará en la planta primera del Edificio Sabatini del Museo Reina Sofía desde el 8 de octubre de 2025 hasta el 16 de marzo de 2026
La exposición reúne cerca de 200 obras —pinturas, dibujos, fotografías y documentos— que recorren la trayectoria de Maruja Mallo (1902–1995), una de las artistas más singulares del siglo XX español. Integrante de la Generación del 27 y vinculada a la Escuela de Vallecas, Mallo cultivó un arte libre, entre lo popular, lo mítico y lo geométrico. El título, Máscara y compás, condensa sus dos grandes ejes: la máscara como símbolo de identidad mutable y el compás como principio de orden y armonía.
El recorrido arranca con las Estampas y Verbenas (1927–1928), donde reinterpreta las fiestas populares con una mirada moderna y democrática, y sigue con la visión apocalíptica de Cloacas y campanarios (1929–1932), cercana al surrealismo. Tras la Guerra Civil y su exilio en Argentina, crea La religión del trabajo (1936–1939), homenaje a la mujer trabajadora. En América desarrolla también Naturalezas vivas, Cabezas de mujer y Máscaras, series en las que fusiona cuerpo, naturaleza y geometría.
En sus últimas etapas, con Moradores del vacío y Viajeros del éter, su pintura alcanza una dimensión cósmica y abstracta, buscando la comunión entre lo humano, lo animal y lo divino. La muestra revela la vigencia estética y política de su pensamiento: un arte que, en palabras de la propia Mallo, transita “de la geografía a la cosmografía.”
Toda la información acerca de esta expo la podéis obtener en este enlace
El punto de encuentro será en NuBel está ubicado en el Edificio Nouvel del Museo Reina Sofía, en la Calle Argumosa, 43 donde quedaremos a las 17:00h del viernes 10 de octubre de 2025. Tras zamparnos la suculenta meriendo entraremos al museo para ver la exposición.
La exposición está en la planta primera del Edificio Sabatini. La veremos de 19:00h a 20:20h. A las 20:20h iremos al patio del museo para disfrutar de su belleza-y saldremos a las 20:45h por la puerta principal de Edificio Sabatini
Viernes 10 21:15h Tapapiés 2025. Por Argumosa y Salitre (Jarana, La Buga, Caminito)
Disfrutaremos de las tapas de más de 100 bares y restaurantes en esta 15 edición de Tapapiés, el Festival Multicultural de Tapas y Música de Lavapiés!. Del 16 al 26 de octubre. Con conciertos, pasacalles y espectáculos gratuitos.
Cada establecimiento servirá una tapa exclusiva por 3’5€, acompañada de un botellín o caña El Águila Dorada, con la opción de degustar solo la tapa por 2’5€. También se ofrece para celíacos el combo sin gluten tapa + tercio Cruz Campo Especial Sin Gluten por 4€. A los bares y restaurantes del barrio se suman de nuevo los puestos de los Mercados de San Fernando y Antón Martín.
La ruta que haremos comenzará en Jarana Gastro & Show (Calle Argumosa, 16) a las 21:15h con su Perdona Bonita (Cerdo desmenuzado con crujiente cebolla encurtida y mayonesa sriracha sobre pan brioche)
Luego continuaremos por La Buga Del Lobo (C/ Argumosa, 11) a las 22:00hcon su El Pepito Del Lobo. Carrillera al Pedro Ximénez con cebolla caramelizada y crispi en brioche. Un bocado feroz con alma ibérica
Tercera parada en Caminito (C/ Salitre, 27) con su Humita Argentina a las 22:45h– Volcán de humita argentina relleno de queso azul, provolone, parmesano, puerro confitado, pimiento morrón y maíz dulce con salsa de cebolla y nuestro exclusivo chimichurri
Luego ya de copas por la zona.
Sábado 18 20:00h Tapeo (La Refiná) – Conciertos Madreams (Jota Ke Iberikal Punk & …)
Plan para disfrutar del ambiente cultural alternativo que se respira en el barrio de Carabanchel con un tapeo muy especial en La Refiná y los conciertos tan underground de Madreams Music para finalizar con una sesión Dj hasta la madrugada.
20:00h La Refiná
Desde el corazón de Carabanchel…a las 20:00h vamos a probar la oreja de La Refiná, que también tiene otras cosas muy ricas.
Sobre las 21:00h nos vamos al festival de conciertos en Madreams Music (Avenida Pedro Diez, 28 primera planta) con Jota Ke Iberikal Punk (presentación), Hijos de la Kalle y The Wrong Pills, que nos van a hacer saltar y bailar..
Después de los conciertos una estupenda sesión Dj.
Aquí tenéis más información de este pequeño festival
Un domingo happening excepcional con rica comida del Mercado de Tirso de Molina en el Malamé y después un supertardeo indie en el Teatro Magno con una sesión de inauguración de Ciento Cero Madrid con Second DJ set enla que tendremos lista de entrada para poder pasar gratis a cualquier hora.
Puedes ir al tapeo (15:00h) o solo al tardeo (estaremos a partir de las 17:45) o a las dos cosas.
15:00h El Tapeo en Malamé
A las 15:00h quedamos en el Malamé del Mercado de Tirso de Molina con sus cosas exquisitas que tanto nos gustan (torreznos, carne al toro..). La relación es excepcional.
Allí estaremos hasta las 17:00h.
17:45h El tardeo Ciento Cero Madrid
Iremos a la inauguración de una superfiesta tardeo para los domingos por la tarde en una disco emblemática de Madrid como es el Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7, Centro, 28014 Madrid).
Para la inaguración se contará con al grupo Second en formato Dj Set entre otros.
Cientocero es tu nuevo club para bailar música indie y hits atemporales en Madrid los domingos por la tarde. Todo esto en una de las mejores salas de Madrid.
Tendremos lista (Lista de Ángel Chamorro) que nos permitirá pasar a cualquier hora de la tarde gratuitamente.
Si queréis sacar entradas con consumición en este enlace
El punto de encuentro será a las 14:30h en el Malamé del Mercado de Tirso de Molina el sábado 30 de diciembre. La dirección es la –Calle de Doña Urraca nº 15 en el Barrio de Puerta del Ángel. Se encuentra muy cerca de la estación de <M> de Puerta del Ángel de la línea 6 (la circular). (Recordad que está en obras y hay que ir en los autobuses)
Estaremos comiendo y de sobremesa desde las 15:00h hasta las 17:00h. A las 17:00h nos iremos al tardeo en la Calle Cedaceros. LLegarmos sobre las 17:45h
También te puedes hacer socio de Happening Madrid por 50€ al año y de esta manera te saldrán gratuitos la mayoría de nuestros planes y además tendrás descuentos en muchos conciertos. El pago para hacerse socio se realiza en las formas antes indicadas.
Resumen Experiencias Happening
Vie 17 17:00h Merienda Perfecta (Nubel) Vie 17 19:00h Exposición Maruja Mallo (Museo Reina Sofía) Vie 17 21:15h Tapapiés 2025. Jarana GastroBar Vie 17 22:00h La Buga del Lobo Vie 17 22:45h Caminito Vie 17 23:00h Copas por Lavapiés
Sáb 18 20:00h Carabanchel. La Refiná.Tapeo Sab 18 21:00h Madreams Music. Hijos de la Kalle – The Wrong Pills – Jota Ke Iberikal Punk
Sab 18 24:00 Sesión Dj
Dom 19 15:00h Mercado de Tirso de Molina. Malamé. Tapeo Dom 18 17:45h El tardeo Ciento Cero Madrid en el Teatro Magno
Desde Happening Madrid te prometemos que en la noche más terroríficamente divertida del año acabarás muerto y al día siguiente serás un zombi destruido pero retendrás en la memoria cada momento, cada instante, cada imagen de la impresionante fiesta que vivirás con la celebración de la Noche de muertos y brujas del Círculo de Bellas Artes 2025
Desde Happening Madrid nos unimos a la fiesta más mortíferamente alucinante de la ciudad y nos vamos al Círculo de Bellas Artes. Así nos lo cuentan desde su web
El 31 de octubre regresa la Noche de muertos y brujas al Círculo de Bellas Artes: una fiesta de ultratumba donde catrinas, espíritus y criaturas del más allá tomarán el edificio para montar el ritual más salvaje del año.
Si bailaste en nuestro Carnaval, esta es la secuela que estabas esperando: bajo la cúpula del Salón de Baile y entre los mármoles de la Sala de Columnas, todo se transformará en un conjuro colectivo con baile, performances y sorpresas en cada esquina.
Este año un akelarre de DJs y artistas resucitará a las ánimas a golpe de cumbia, reggaetón, mambo y ritmos endemoniados. Habrá actuaciones, sorpresas, magia y un desfile continuo de catrinas, calaveras y brujas celebrando la vida, la muerte y la imaginación.
La entrada y el superdescuento especial para Happening Madrid
La entrada para la fiesta la podéis obtener en este enlace:
Tenemos un superdescuento especial para Happening Madrid. Cuando elijáis las entradas os pedirá si tenéis un código de descuento y es entonces cuando tenéis que poner el código “HAPPENINGNDMB25” para obtener la entrada a precio reducido.
Con la entrada a la fiesta de la Noche de Muertos muertos y brujas del Círculo de Bellas Artes viene una consumición. Es un caldito que resucita a un muerto.
Concurso de dos entradas dobles
Tendremos un concurso de dos entradas dobles para la noche del 31 de octubre. Las bases del concurso saldrán publicadas en breve tanto aquí como en Instagram.
El concurso acabará el martes 29 de octubre a las 23:59:25h
Los ganadores de las 2 entradas dobles serán los acertantes de la pregunta que obtengan más me gustas.
El miércoles 30 de octubre a lo largo de la mañana publicaremos la explicación de la respuesta correcta y el nombre de los ganadores.
En caso de empate ganará la persona que haya enviado antes la respuesta correcta y el mensaje explicándolo.
¿Cómo será la noche?
La noche comenzará a las 22:00h n el Punto de Encuentro. El punto de encuentro lo establecemos en Las Bóvedas de Cibeles (C. de Alcalá, 43 esquina Gran Vía). Se encuentra enfrente al Edificio Metropolis y al Círculo de Bellas Artes. Es un lugar ideal para quedar antes y reunirnos antes del fiestorro. Es perfecto para controlar la cola de entrada al Círculo.
Aquí también podremos tomarnos algo de tapeo para ir bien llenos de energía a la superfiesta.
A una Fiesta de Muertos y Brujas en Halloween en el Círculo de Bellas Artes es muy necesario venir disfrazados.
Vamos a daros aquí una serie de ideas
El mundo de los vampiros
Os damos las siguientes ideas
Vampiro Clásico
Inspirado en Drácula, puedes llevar una capa larga, un chaleco elegante, camisa blanca, pantalones oscuros y colmillos afilados. Complementa el look con maquillaje pálido y un toque de sangre falsa en los labios.
Vampiresa Victoriana
Un vestido largo de estilo victoriano, corsé, guantes de encaje y una gargantilla oscura. Maquillaje dramático con sombras oscuras y labios intensos harán el look aún más impactante.
Vampiro Moderno (Estilo Blade o Underworld)
Si prefieres un vampiro moderno, opta por ropa de cuero negro, botas altas y accesorios como gafas oscuras o armas falsas. Un look más minimalista pero con un aire de misterio y acción.
Vampiresa o Vampiro Punk o Gótico
Mezcla prendas oscuras y atrevidas, con chaquetas de cuero, tachuelas, collares y maquillaje gótico. Añade colmillos y un peinado desordenado para un look más rebelde.
Vampiresa o Vampiro Renacentista o de Época
Puedes vestirte con trajes de época, con capas y túnicas ornamentadas que recuerdan a las cortes renacentistas o barrocas, agregando un toque elegante y oscuro.
Nosferatu
Si te atreves con algo más espeluznante, recrea el aspecto del vampiro clásico de la película Nosferatu, con orejas puntiagudas, piel pálida y una postura encorvada.
Catrinas, calaveras y noche de muertos mexicana
Catrina Tradicional
Vestido largo y elegante: Usa un vestido largo de estilo victoriano, preferiblemente en colores oscuros o vibrantes como el negro, rojo o morado. Puedes añadir encajes y volantes para un toque más sofisticado.
Sombrero grande decorado: Complementa el look con un sombrero de ala ancha decorado con flores de cempasúchil (flor tradicional), plumas y cintas de colores.
Maquillaje de Catrina: Pinta tu rostro como una calavera, con detalles florales y colores vivos alrededor de los ojos, imitando una calavera de azúcar. No olvides dibujar los «dientes» a lo largo de los labios.
Accesorios: Puedes llevar un abanico o guantes largos de encaje para dar un aire más sofisticado.
Calavera Mexicana (Calaverita de Azúcar)
Maquillaje completo de calavera: El maquillaje debe tener detalles detallados y coloridos en la frente, mejillas y alrededor de los ojos. Los colores como el azul, rojo, amarillo o verde son tradicionales en las calaveritas de azúcar.
Ropa colorida: Puedes llevar un atuendo completamente negro para resaltar el maquillaje o algo colorido como un vestido o traje tradicional mexicano.
Flores en el cabello: Crea una corona de flores grandes en el cabello, usando flores de cempasúchil o rosas, que son comunes en las ofrendas de Día de Muertos.
Catrín (Versión Masculina de Catrina)
Traje elegante: Un traje negro con una corbata o moño en colores brillantes (rojo, morado o dorado).
Sombrero de charro: Lleva un sombrero de charro o un sombrero de ala ancha decorado con cintas y flores.
Maquillaje de calavera: Al igual que la Catrina, pinta tu rostro como una calavera, pero puedes darle un toque más sombrío con detalles más oscuros o menos florales.
Bastón o bastón decorado: Añade un bastón con detalles elegantes o florales.
Esqueleto Azteca
Maquillaje con detalles dorados y plumas: En lugar de usar colores vibrantes, opta por un maquillaje de calavera en tonos dorados, plateados o cobre, añadiendo detalles de plumas alrededor de los ojos.
Traje inspirado en la cultura azteca: Un atuendo de guerrero azteca o algo más simbólico como un taparrabo y pechera, acompañado de accesorios con plumas y abalorios.
Accesorios de guerrero: Puedes llevar una corona de plumas, un escudo o una lanza decorada para completar el look.
La Novia de Muertos
Vestido de novia de encaje: Usa un vestido blanco o negro estilo victoriano, o un vestido de novia desgastado para un toque más aterrador.
Maquillaje de Catrina: Dibuja el rostro de una calavera, pero añade toques románticos como lágrimas negras o rosas en los pómulos.
Velos y coronas de flores: Un velo de novia blanco o negro y una corona de flores grandes o cempasúchil para darle un toque especial.
Personificación de la Ofrenda
Colores vivos: Lleva un atuendo que refleje los colores de una ofrenda tradicional, como el naranja (cempasúchil), el morado (velas) y el blanco (pureza).
Detalles simbólicos: Usa elementos como calaveritas de azúcar colgadas en el traje, velas falsas adheridas al atuendo o representaciones de pan de muerto.
Maquillaje de calavera: Un rostro de calavera con muchos detalles simbólicos, como corazones o cruces.
Alebrije
Traje colorido: Crea un traje inspirado en las criaturas fantásticas de los alebrijes, lleno de colores vibrantes y patrones geométricos.
Maquillaje de calavera: Un maquillaje de calavera con detalles abstractos o geométricos que simulen los patrones coloridos de los alebrijes.
Máscara o accesorios: Puedes llevar una máscara de alebrije o un tocado con cuernos, orejas puntiagudas, o alas para darle un toque más fantasioso.
Los Djs de la fiesta
Este será el Line-Up
🎶 SALÓN DE BAILE
22:30 – 00:00 → Tambor Digital
00:00 – 02:00 → Piti Vaccari
02:00 – 03:30 → Sonido Tupinamba
03:30 – 05:00 → Meneo
🎧 COLUMNAS
22:30 – 23:45 → Mila Moon
23:45 – 01:45 → Eme DJ
01:45 – 03:15 → Andy Grey
03:15 – 04:45 → La Gatería
Tambor Digital
Tambor Digital es un formato en vivo de DJ Set y percusión, creado por DJ Coco Loko y DJ Espolo, que busca combinar el DJing y las percusiones para ofrecer una experiencia enérgica y rítmica. Incorporan elementos de percusión afrolatina sobre el DJ set.
DJ Espolo (José Polo):
Trayectoria: Percusionista y DJ profesional con más de 10 años en cabinas y casi 15 años acompañando proyectos musicales con percusiones. Es residente en Club Sauvage y Leche de Tigre en Barcelona.
Estilos Musicales: Aporta su amplio conocimiento en Dembow, Reggaeton, Salsa y Afrobeats.
DJ Coco Loko (Coke Cisternas):
Trayectoria: DJ profesional, promotor y percusionista. Estudió batería por más de 10 años y tiene cerca de 6 años de experiencia en cabinas de Barcelona y Madrid. Es residente en Leche de Tigre y Ocaña Bar.
Estilos Musicales: Su fascinación es la música brasileña, el groove orgánico de la música afro-latina, y está en constante búsqueda de los sonidos más enérgicos de la movida electro-afro-latina actual y futura.
Las salas del Círculo de Bellas
Una fiesta en el Círculo de Bellas Artes es mucho más que el ambiente, la marcha, la música y los estupendos disfraces que luce el personal. En las fiestas del Círculo de Bellas Artes todas las salas de este emblemático edificio son también protagonistas. Es toda una fiesta es un palacio de lujo y es como transportarse en el tiempo muchos años atrás. La sede del CBA, obra del arquitecto Antonio Palacios, posee un enorme valor arquitectónico. La fiesta transcurrirá en varias de las salas emblemáticas del Círculo de manera simultánea como el Salón de Baile y la Sala de Columnas.
Punto de encuentro
El punto de encuentro lo establecemos en Las Bóvedas de Cibeles (C. de Alcalá, 43 esquina Gran Vía). Se encuentra enfrente al edificio Metropolis y al Círculo de Bellas Artes. Es un lugar ideal para quedar antes de la fiesta y reunirnos antes del fiestorro. Es ideal para controlar la cola de entrada al Círculo.
Aquí también podremos tomarnos algo de tapeo para ir bien llenos de energía a la superfiesta.
Nos iremos yendo al Círculo en un momento dado a partir de las 22:30h cuando veamos que la cola de entrada está en su mejor momento. Recordad que si hace frío, siempre hay que guardar de nuevo cola dentro para dejar los abrigos con lo que conviene llegar a buena hora.
Muchas e interesantes propuestas os traemos para este finde: La merienda perfecta del Nubel, la exposición de Maruja Mallo en el Museo Reina Sofia, tapeo en la Musa de Espronceda, el concierto de Jazz on Five en el Teatro del Barrio, excursión de 17 kms circular por el Monte de El Pardo desde Pitis, la visita cultural a la Quinta del Duque del Arco, un café en El Pardo, la exposición Expresionismo. Un Arte de cine en la Fundación Canal y un tapeo por el barrio de Tetuán.
Las tardes de viernes de merienda en Nubel y exposición en el Museo Reina Sofía son ideales para calentar motores para el fin de semana. Esta vez nos vamos a ver la exposición de Maruja Mallo, Máscara y Compás. Antes probaremos lo que dicen que es “la merienda perfecta”
Siguiendo la costumbre inglesa de la hora del té desde Nubel nos proponen este British Afternoon Tea que nos parece un auténtico lujo asiático. Por 19€ nos vamos a zampar todo esto que podéis ver en este enlace:
La exposición de Maruja Mallo, Máscara y compás estará en la planta primera del Edificio Sabatini del Museo Reina Sofía desde el 8 de octubre de 2025 hasta el 16 de marzo de 2026
La exposición reúne cerca de 200 obras —pinturas, dibujos, fotografías y documentos— que recorren la trayectoria de Maruja Mallo (1902–1995), una de las artistas más singulares del siglo XX español. Integrante de la Generación del 27 y vinculada a la Escuela de Vallecas, Mallo cultivó un arte libre, entre lo popular, lo mítico y lo geométrico. El título, Máscara y compás, condensa sus dos grandes ejes: la máscara como símbolo de identidad mutable y el compás como principio de orden y armonía.
El recorrido arranca con las Estampas y Verbenas (1927–1928), donde reinterpreta las fiestas populares con una mirada moderna y democrática, y sigue con la visión apocalíptica de Cloacas y campanarios (1929–1932), cercana al surrealismo. Tras la Guerra Civil y su exilio en Argentina, crea La religión del trabajo (1936–1939), homenaje a la mujer trabajadora. En América desarrolla también Naturalezas vivas, Cabezas de mujer y Máscaras, series en las que fusiona cuerpo, naturaleza y geometría.
En sus últimas etapas, con Moradores del vacío y Viajeros del éter, su pintura alcanza una dimensión cósmica y abstracta, buscando la comunión entre lo humano, lo animal y lo divino. La muestra revela la vigencia estética y política de su pensamiento: un arte que, en palabras de la propia Mallo, transita “de la geografía a la cosmografía.”
Toda la información acerca de esta expo la podéis obtener en este enlace
El punto de encuentro será en NuBel está ubicado en el Edificio Nouvel del Museo Reina Sofía, en la Calle Argumosa, 43 donde quedaremos a las 17:00h del viernes 10 de octubre de 2025. Tras zamparnos la suculenta meriendo entraremos al museo para ver la exposición.
La exposición está en la planta primera del Edificio Sabatini. La veremos de 19:00h a 20:20h. A las 20:20h iremos al patio del museo para disfrutar de su belleza-y saldremos a las 20:45h por la puerta principal de Edificio Sabatini
A las 21:00h iremos a tomar algo a La Musa de Espronceda (C. de Sta. Isabel, 17) para luego ir a las 21:45h al Teatro del Barrio y su Noche de Baile con Jazz on Five
En todos los casos además para asistir al meetup con nosotros hay que hacer reserva vía whatsapp al número de teléfono 640.743.115 (https://wa.me/+34640743115), apuntarse al evento en el grupo de meetup Happening Madrid (https://www.meetup.com/es-ES/happening-gp/) Los pagos se realizan por: Bizum al nº de teléfono 654805437. Paypal a angel.chamorro.marin@gmail.com También te puedes hacer socio de Happening Madrid por 50€ al año y de esta manera te saldrán gratuitos la mayoría de nuestros planes y además tendrás descuentos en muchos conciertos. El pago para hacerse socio se realiza en las formas antes indicadas.
Viernes 10 21:00h Tapas, Noche de Baile (Teatro del Barrio. Jazz on Five) y copas por Lavapiés
Este próximo viernes 10 de octubre toca disfrutar una vez mas de las Noches de Baile del Teatro del Barrio.. Comenzando con unas espectaculares tapas en La Musa de Espronceda (C/ Santa Isabel, 17) , para seguir con uno de nuestros lugares favoritos, El Teatro del Barrio (C. de Zurita, 20) y sus Noches de Baile con con bandas enormes como The Jazz on Five. Para acabar la noche el ritmo de locales como La Huelga en Lavapiés (C. de Zurita, 39) y su excelente música siempre pinchando en vinilo.
El concierto-baile comenzará a las 22:15 y durará 90’ acabándose con la medianoche. Será con entrada libre hasta completar aforo. Hay que llegar antes de las 22:00h para no tener problemas de aforo. Como antes queremos tener la tripa llena a las 21:00 estaremos en La Musa de Espronceda con su decoración repleta de antigüedades, su buen ambiente y su barra llena de pinchos fríos y calientes. ¡No tardéis que se acaban! Después de la medianoche al acabar el concierto nos dejamos caer para bailar en La Huelga en Lavapiés
Si no conoces The Jazz on Five es seguro que deberías conocerlos. Te los presentamos. The Jazz on Five es una banda compuesta por Guillem Ferrer(Saxo), Carmen Vela (Flauta y clarinete), Mario Siles (Guitarra), David Herrington (Tuba) y Dani García (Batería). Suenan enormes como podéis ver en estos enlaces:
¿Qué nos cuentan de ellos? Pues os extraemos lo que en la web del Teatro del Barrio nos dicen:
Tuba, banjo, saxo, clarinete, flauta y percusión son los ingredientes de su receta para la sonrisa: un plato cocinado a fuego lento con jazz, música de películas, tarantela, blues, swing, techno y mucho más. “Un repertorio delirante, un tiovivo de influencias o la poción mágica en el pentagrama del día a día”
Nuestro punto de encuentro será a las 21:00h en La Musa de Espronceda (C/ Santa Isabel, 17). El \ más cercano para llegar es Antón Martín. A las 21:45h nos dejamos caer por la C/ Zurita porque estamos muy cerca del Teatro del Barrio (C. de Zurita, 20) y por allí estaremos a las 21:50h. ¡No queremos que se llene!. Comenzará la actuación a las 22:15h y durará hasta la medianoche. Tendrá dos partes con un descanso de 15’. Al acabarse la actuación con baile en el Teatro del Barrio no nos quedará otra que rematar la faena en los lugares canallas y con la buena música que Lavapiés nos depara. La Huelga en Lavapiés (C. de Zurita, 39) está a muy pocos metros del Teatro del Barrio y nos asegura una marcha de lo mejor con su soul, sus vinilos y su buen ambiente. Allí estaremos raudos para evitar el temido aforo completo.
Este próximo sábado 11 de octubre la propuesta que os hacemos desde Happening Madrid es una preciosa excursión por el Monte de El Pardo en la cual visitaremos muchos lugares entre lo que destacamos la visita a los Jardines de la Quinta de El Pardo, desayunaremos, haremos pic-nic junto al mirador de PeñaRubia, tomaremos café en El Pardo, pasaremos por la Ribera del Manazares, por el Mirador de Valpolemor y el camino de las cárcavas. La distancia total es de 17,2 kms. La duración total prevista es desde las 10:30h hasta las 19:00h.
Desayunaremos en 10:30h y 11:15h en la terraza de la Cervecería Restaurante Anpe junto a la Estación de Pitis. Ese será el punto de encuentro Cervecería Ampe (C. Gloria Fuertes, 181, Fuencarral-El Pardo)
11:15h a 12:00h Caminaremos por el Monte de El Pardo hasta la Quinta del Duque del Arco. Este trayecto son 3kms. Entraremos en el Monte del Pardo tras pasar por el puente sobre la M-40 y el Centro Ganadero de caballos.
12:00h a 12:45h Visitaremos la Quinta del Dique del Arco (también conocida como Quinta de El Pardo) perteneciente al Real Sitio. Su origen remonta a la antigua Quinta de Valrodrigo, una casa de labor adquirida en 1717 por Alonso Manrique de Lara y Silva, duque del Arco y cortesano próximo a Felipe V.Tras su muerte, en 1737, su viuda donó la finca al rey Felipe V, quedando así integrada en el Real Sitio de El Pardo. En 1935 fue declarada Monumento Nacional. Los preciosos jardines pueden visitarse libremente y sin coste. Estos se adaptan al terreno mediante cuatro terrazas unidas por rampas y escaleras. En su diseño se combinan influencias francesas, italianas y españolas, con una composición de fuentes, parterres geométricos, estanques, cascadas, esculturas y una vegetación cuidadosamente trazada. A la entrada destacan dos secuoyas centenarias.
12:45h a 13:30h Haremos el trayecto hasta el Mirador de Peñarubia (DO 6+170)
13:30h a 14:30h Comeremos en los miradores el pic-nic que nos llevemos. Es bueno llevar ssterilla, mantel, platos, comida, bebida, protector solar. 🧺 Cada uno lleva su comida ¡y también cosas para compartir! 14:30h a 15:30h Haremos el recorrido hasta El Pardo
15:30h a 16:15h Tomaremos café en la Plaza de El Pardo
16:15h a 17:30h Haremos el trayecto hasta el Mirador de Valpalomero
17:30h a 17:45 Disfrutaremos de las vistas desde el mirador
17:45h a 19:00h Haremos el trayecto de vuelta hasta Pitis tras volver por la cárcavas y pasar por el puente ferroviario sobre la Carretera del Duque del Arco y luego junto al Túnel de El Pardo. El recorrido completo de la excursión es de unos 17 kms y 200 metros.
Llevar calzado adecuado para caminar por el bosque Aunque la ruta es de nivel básico recordar que hay que andar 17kms y hay que tener la preparación física adecuada Iremos despacio y disfrutando del camino, sin prisas. LLevaros utensilios de picnic: platos de papel, tenedores de plástico. etec..
La propuesta del domingo nos lleva a la Plaza de Castilla y Tetuán. Primero iremos a ver la exposición “Expresionismo. Un arte de cine” en la Fundación Canal (C/ Mateo Inurria 2). La exposición es de entrada gratuita. Después iremos de cañas y tapeo a la zona de Infanta Mercedes comenzando en el Bar El Galope III (C. de la Infanta Mercedes, 97). Después seguiremos por las terrazas y bares de la zona que son muchos y muy variados.
También te puedes hacer socio de Happening Madrid por 50€ al año y de esta manera te saldrán gratuitos la mayoría de nuestros planes y además tendrás descuentos en muchos conciertos. El pago para hacerse socio se realiza en las formas antes indicadas.
En octubre pensamos sobre nosotros con historias del espacio exterior. En nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo”, desde el corazón de El Rastro y Lavapiés, proponemos un viaje a la ciencia ficción setentera, un ciclo que nos trae cuatro maravillosos metrajes: Solaris, Silent Running, Phase IV y The Man Who Fell to Earth. Cuatro maneras de preguntarnos qué es memoria, qué merece ser salvado, quién manda en la Tierra y qué significa caer aquí, en nuestro mundo.
Desde el infinito silencio estelar, con conmovedor asombro proponemos el universo como espejo de nuestro yo interior.
Martes 7 — SOLARIS (Andréi Tarkovski, 1972, 167 min) Martes 14 — SILENT RUNNING (Douglas Trumbull, 1972, 89 min) Martes 21 — PHASE IV (Saul Bass, 1974, 84 min) Martes 28 — THE MAN WHO FELL TO EARTH (Nicolas Roeg, 1976, 139 min)
¡Nos esperan unas apasionantes veladas de pensamiento y ciencia ficción!
Te esperamos cada martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir maravillosa películas y debates. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Solaris (Andréi Tarkovski, 1972, 167 min). La culpa y el recuerdo.
“Un océano que recuerda. ¿Puede desatarse la memoria como una fuerza de la naturaleza y tornarse física?”
Acerca de
En nuestro ciclo Un Conejo con Ojo:’70s Philosophical Sci-Fi os traemos el vértigo de la conciencia desde el silencio estelar.Solaris (1972), de Andréi Tarkovski, es un viaje a esa frontera donde el duelo y el deseo levantan fantasmas de carne y recuerdoa. Un psicólogo, Kris Kelvin, llega a una estación espacial en órbita de un planeta-océano y descubre que el monstruo no está afuera: el planeta piensa… y nos devuelve aquello que amamos y no supimos mantener. Solaris es uno de los hitos mayores de la ciencia ficción metafísica.
La estación orbital sobre Solaris no gira alrededor de un planeta, gira alrededor de la culpa. Tarkovski filma el pensamiento con la paciencia de una marea: los muertos vuelven no como fantasmas, sino como posibilidades no resueltas en el pasado y que buscan otra oportunidad. Mientras la ciencia observa, la fe escucham y entre ambas se abre un abismo interminable.
Solaris fue estrenada en 1972 y basada en la novela de Stanisław Lem. La película está protagonizada por Donatas Banionis y Natalya Bondarchuk. El guion es de Tarkovski y Fridrikh Gorenshtein. La duración es de 165 min.
La fotografía de Vadim Yusov compone un espacio vivido y melancólico: metal envejecido, luz lechosa, naturaleza como patria perdida. La banda sonora de Eduard Artemyev alterna electrónica espectral con la plegaria de Bach (“Ich ruf’ zu dir, Herr Jesu Christ, BWV 639”), que funciona como hilo de memoria en medio del vacío
La banda sonora
La partitura fue compuesta por Eduard Artemiev, pionero de la música electrónica en la Unión Soviética, quien experimenta con sonidos abstractos y ambientes que dialogan con la imagen y la memoria. Se usó un sintetizador optoelectrónico ANS (inventado por Evgueni Murzin), que permite transformar gráficas visuales en sonido —un puente entre imagen y música.
Ese contraste entre lo clásico y lo experimental está marcado por el uso del poema coral Ich ruf’ zu dir, Herr Jesu Christ, BWV 639 de J. S. Bach, adaptado como tema terrestre frente a los pasajes más etéreos del cosmos
Hari, la “visitante”, tiene su propio subtema: un cantus firmus basado en Bach pero retocado por Artemiev, que suena en los momentos de crisis emocional (su muerte, la confrontación final). Discogs+4Wikipedia+4Wikipedia+4
El estilo
En Solaris, Tarkovski filma el pensamiento como si de un paisaje se tratara, convirtiendo en contemplación cada instante del tiempo que pasa. Es ciencia ficción íntima con menos cacharrería y más dolor humano. Es una película con herencia espiritual donde la nave parece un monasterio flotante y la música sacra nos azota el alma.
Veremos
El tiempo como materia con planos largos que nunca aburren.
El espacio doméstico de nuestro hogar en el espacio exterior: Bibliotecas, fotografías, mesa. Nuestra intimidad se convierte en una nave.
La ética del recuerdo ¿cura o reprogramación?
Debatiremos
Si la memoria tiene peso, ¿a quién aplasta?
¿Qué puede significar amar a un doble de nuestra culpa?
¿Es Solaris un dios, un espejo o una criatura sin intención?
La segunda entrega de nuestro ciclo de este mes 70s Philosophical Sci-Fi nos trae Silent Running (Naves Misteriosas). En Silent Running un jardinero espacial solitario custodia las últimas cúpulas-invernadero de la Tierra a bordo del Valley Forge. Cuando ordenan destruirlas, el deber se rompe y nace la desobediencia: tres drones (Huey, Dewey y Louie) como compañeros, un bosque flotando en mitad de la nada y una decisión que pesa aún más que la gravedad. Trumbull filma una elegía: ciencia ficción íntima donde la utopía cabe en una pequeña maceta… y el precio se paga en silencio.
Los temas de los que hablaremos en este debate serán sobre las obligaciones éticas y morales frente, la desobediencia como arma para acabar con la falta de conciencia de las corporaciones, el cuidado de la tierra y el medio ambiente, del futuro que deseamos, de la esperanza.
Sinopsis
En el siglo XXI, la Tierra ha perdido su vegetación. Los últimos bosques sobreviven en tres naves invernadero que orbitan Saturno. Freeman Lowell, botánico a bordo de la Valley Forge, los cuida con la idea de replantarlos algún día en el planeta.
De pronto llega la orden: destruir las cúpulas y regresar. Lowell se niega. Toma el control de la nave, elimina a sus compañeros y huye más allá de los anillos. Con la ayuda de dos drones, Huey y Dewey, reprogramados para hacer de jardineros, intenta mantener con vida el último jardín y protegerlo de quien quiera borrarlo.
La música de Silent Running
La banda sonora de Silent Running fue compuesta por Peter Schickele, un músico con formación clásica que optó por un tono íntimo y melancólico, que queda muy lejos de otras bandas sonoras de películas de ciencia ficción de la época. La música acompaña el ritmo cotidiano del protagonista: regar las plantas, revisar sistemas, mirar el vacío. Las cuerdas y maderas crean una atmósfera tranquila, casi doméstica, que refuerza la idea de un espacio exterior convertido en refugio.
A esa base se suman dos canciones interpretadas por Joan Baez, escritas junto a Diane Lampert: “Rejoice in the Sun” y “Silent Running”. Ambas funcionan como la voz emocional de la película. La primera es un canto esperanzado a la vida y al vínculo con la naturaleza; la segunda, una balada triste sobre la pérdida y la soledad.
El contraste entre las imágenes frías del espacio y la calidez folk de Joan Baez da a la película una identidad única. Su voz introduce un tono humano y nostálgico que convierte esta historia ecológica en algo más que una fábula futurista. Silent Running es una reflexión sobre lo que se pierde cuando la Tierra deja de ser hogar.
Veremos
En Silent Running veremos el cuidado de invernadero como una liturgia, la ternura de los robots, el sacrificio del protagonista por conserva la naturaleza en la Tierra.
Debatiremos
Hablaremos de la desobediencia como única salida ética para salvar la naturaleza frente a la voracidad sin límites de las empresas y del sistema en general.
Nos preguntaremos si una máquina puede custodiar mejor la vida que nosotros
Preguntas
Si para salvar el bosque haz de traicionar a tus iguales, ¿qué es “hacer lo correcto”?
¿En qué momento la convicción de Lowell cruza hacia la violencia, y cómo nos hace sentir esa frontera?
¿Por qué los robots nos conmueven? ¿Qué aprendemos de su “aprendizaje” de cuidado?
¿Es Silent Running una distopía o una parábola esperanzada?
¿Qué nos dice hoy, en plena crisis climática, ese jardín a la deriva?
Douglas Trumbull fue uno de los grandes artesanos visuales del cine moderno. Antes de dirigir Silent Running (1972), ya había dejado su impronta como responsable de los efectos especiales de 2001: Una odisea del espacio. Aunaba obsesión tanto por la verosimilitud científica como por la poesía de la imagen tratando a la tecnología como una herramienta para pensar y no solo para impresionar. Trumbull venía del mundo de la ingeniería y la animación, y eso se nota en su forma de construir los mundos: meticulosa, artesanal y con una sensibilidad casi humanista hacia la máquina.
Silent Running es su primera película como director.Filmó la historia de un hombre que decide proteger la vida en medio del vacío, y lo hizo con recursos modestos pero una enorme fe en lo que hacía. Más tarde volvería a revolucionar el cine con los efectos de Close Encounters of the Third Kind y Blade Runner, demostrando que su mirada unía técnica y emoción. Su carrera es breve en títulos, pero decisiva: enseñó que el futuro podía filmarse con las manos y con melancolía.
Recepción de la crítica
Cuando se estrenó en 1972, Silent Running no tuvo un gran éxito comercial, pero sí despertó una atención inmediata entre la crítica. Muchos la vieron como una rareza: una película de ciencia ficción sin héroes ni batallas, centrada en la ética y la soledad. Algunos medios estadounidenses elogiaron la interpretación de Bruce Dern, intensa y frágil a la vez, y destacaron la sensibilidad visual de Douglas Trumbull, capaz de convertir maquetas y efectos ópticos en un espacio creíble y emotivo.
Silent Running no tuvo un recorrido festivalero amplio en su estreno. Llegó a los cines en 1972 bajo el sello de Universal Pictures, y su lanzamiento fue más bien discreto, pensado para el circuito comercial de ciencia ficción posterior a 2001: Una odisea del espacio. No pasó por Cannes ni Berlín —el género aún no gozaba de ese tipo de reconocimiento—, aunque con los años ha sido recuperada en retrospectivas y ciclos dedicados al cine ecológico y a los pioneros de los efectos especiales, especialmente en festivales como Sitges o en muestras de ciencia ficción clásica.
En cuanto a su recepción actual, las valoraciones son sólidas. En Rotten Tomatoes, la película mantiene una puntuación cercana al 70% de aprobación por parte de la crítica y más del 75% entre el público, lo que refleja su condición de título de culto más que de éxito masivo. En IMDb, su nota ronda el 6,6/10, mientras que en FilmAffinity obtiene una media de 6,4, con reseñas que destacan su sensibilidad ecológica y el tono melancólico de su narrativa. En conjunto, se la considera una pieza menor en cuanto a éxito pero de influencia que, sin pretenderlo, abrió una rama poética dentro de la ciencia ficción.
También recibió críticas negativas por su tono moralista y su ritmo pausado. A parte del público le resultó demasiado contemplativa, más cerca de una parábola que de una aventura. Con el paso del tiempo, esa mezcla de lirismo y activismo la convirtió en una obra de culto. Hoy se la reconoce como una de las primeras películas ecológicas del cine moderno y un antecedente directo de la ciencia ficción introspectiva (como Solaris) que llegaría años después, de Moon a Wall·E.
Phase IV (Soul Bass, 1974, 93 min). La inteligencia colectica
“Ellas nos miran. El planeta cambia de dueño en silencio.”
Acerca de Phase IV
La siguiente entrega de nuestro ciclo ’70s Philosophical Sci-Fi nos trae Phase IV, el único largometraje dirigido por Saul Bass: ciencia ficción entomológica. En el desierto, dos científicos tratan de comprender a unas hormigas que han “despertado”. No hay invasión ruidosa: hay patrones, geometrías, señales. Laboratorios mínimos, planos macro y una paz inhumana que avanza sin estridencias.
En el debate hablaremos de antropocentrismo y humildad científica (¿sabemos mirar lo no humano?), de la comunicación interespecífica y el problema de traducir patrones, de mente-colmena y diseño frente al individuo, de orden y control (¿quién ordena a quién?), de ecología sin sentimentalismo —el planeta como sistema que se reconfigura— y del dilema final: ¿cómo coexistir cuando ya no somos el centro?
Sinopsis
Planteada casi como un documental, la película sigue a dos científicos que estudian un cambio anómalo en las hormigas del desierto: se coordinan con una inteligencia nueva. El experimento se convierte en prueba de una hipótesis inquietante: si las hormigas alcanzaran nuestra capacidad intelectual, el mundo sería suyo. Es el único largometraje dirigido por Saul Bass, célebre creador de títulos de crédito, aquí al mando de una ciencia ficción sobria y observacional.
La música de Phase IV
La música de Phase IV fue compuesta por Brian Gascoigne. Está construida principalmente con sintetizadores analógicos, efectos electrónicos y coros tratados con eco. Su función no es acompañar las escenas de forma emocional, sino crear una atmósfera de extrañeza y tensión constante.
Gascoigne utiliza sonidos muy controlados y repetitivos que evocan el comportamiento de las hormigas y el entorno desértico donde se desarrolla la película. No hay melodías reconocibles ni ritmo marcado, sino capas de frecuencias que cambian lentamente y generan sensación de observación y amenaza.
El resultado es una banda sonora experimental que refuerza la idea central del film: la presencia de una inteligencia no humana y el intento de comunicación con ella. Actualmente puede escucharse completa gracias a varias reediciones en vinilo y formato digital.
Brian Gascoigne
Brian Gascoigne (Shropshire, Reino Unido, 1943) es un compositor, teclista y arreglista británico. Su nombre aparece asociado a varias producciones de cine y televisión entre los años setenta y ochenta, siempre en proyectos donde la música electrónica tenía un papel central.
Fue el autor principal de la banda sonora de Phase IV (1974), en la que trabajó junto a Desmond Briscoe y David Vorhaus en la creación de texturas sonoras electrónicas. También participó en otros títulos como The Emerald Forest (1985), compuesta junto a Junior Homrich, y colaboró en la parte electrónica de The Dark Crystal (1982) y Labyrinth (1986).
Su estilo combina orquestación tradicional con sintetizadores analógicos y técnicas de manipulación de sonido que, en su época, eran aún experimentales. Aunque su nombre no es ampliamente conocido, su trabajo ayudó a integrar la música electrónica en la narrativa cinematográfica, más allá del uso meramente ambiental o decorativo.
La fotografía de Phase IV
La fotografía de Phase IV estuvo a cargo de Dick Bush, con las secuencias de insectos filmadas por Ken Middleham, especialista en macrofotografía. El resultado es una imagen que alterna lo científico y lo hipnótico: planos cerrados que convierten a las hormigas en criaturas gigantescas y panorámicas del desierto resaltando su geometría casi abstracta.
La cámara se usa de manera analítica y documental, como si registrara un experimento. Esa distancia visual transmite la idea de que la naturaleza observa y actúa. La iluminación seca, los tonos terrosos y las composiciones geométricas crean un espacio de tensión constante.
El debate de Phase IV. Los temas fundamentales
La película muestra el choque entre la inteligencia humana y una nueva mente colectiva surgida en la naturaleza. A través de la evolución de las hormigas, se cuestiona la idea de dominio humano y el poder real de la ciencia frente a lo desconocido.
En Phase IV hablaremos sobre: Evolución y cambio: una especie pequeña rompe el orden natural y altera la jerarquía de la vida. Comunicación: los humanos intentan entender, pero el lenguaje no alcanza para descifrar una lógica ajena. Control y adaptación: la ciencia busca imponer su método, pero termina transformada por el fenómeno que estudia. Naturaleza como sujeto: la naturaleza actúa con propósito y estrategia, desplazando al ser humano del centro.
Preguntas para el debate
¿Qué límites muestra la película en la manera científica de entender el mundo?
¿Qué tipo de inteligencia representan las hormigas?
¿Es una historia sobre amenaza o sobre evolución?
¿De qué modo Phase IV critica la visión humana de superioridad sobre la naturaleza?
¿Qué significado puede tener la transformación final de los protagonistas?
Saul Bass (1920–1996) fue un diseñador gráfico y director de cine estadounidense. Es uno de los grandes innovadores del lenguaje visual del siglo XX.
Se hizo famoso por sus títulos de crédito para películas como Vértigo, Psicosis o Anatomía de un asesinato, donde transformó una rutina del cine en una forma de arte. Sus diseños minimalistas, basados en formas geométricas y ritmo visual, influyeron en generaciones enteras de cineastas y publicistas.
Como director solo realizó un largo: Phase IV (1974). En él llevó su estilo gráfico al terreno narrativo, combinando imágenes científicas, composición geométrica y una mirada casi documental sobre la naturaleza. La película no tuvo éxito comercial, pero con el tiempo se convirtió en una obra de culto por su estética única y su reflexión sobre la inteligencia no humana.
Bass también trabajó en identidad corporativa —creó logotipos para AT&T, United Airlines o Minolta— y dejó una huella duradera en la forma en que el cine y la publicidad piensan la imagen.
The man who fell to earth (Nicolas Roeg, 1976, 139 min). La condición humana.
“Llegó para amar. Se quedó para perderse.”
Acerca de
La última entrega de nuestro ciclo ’70s Philosophical Sci-Fi nos trae The Man Who Fell to Earth, de Nicolas Roeg que se tradujo como “El hombre que cayó a la Tierra”. Ciencia ficción existencial con rostro de David Bowie. Un ser venido de otro planeta llega a la Tierra en busca de agua para salvar a los suyos. Con su inteligencia superior construye un imperio tecnológico, pero la codicia humana y el peso del deseo lo arrastran hacia la ruina. Roeg narra la caída de un visitante del espacio que llega con un propósito y acaba derrotado por el mundo que intenta entender. Su mirada limpia se corrompe al contacto con la ambición y la soledad humanas.
En el debate hablaremos de identidad y desarraigo, del capitalismo como enfermedad contagiosa, del cuerpo como prisión del alma, de la mirada extraterrestre sobre la Tierra, y de cómo la modernidad devora incluso a sus propios dioses tecnológicos.
Sinopsis
Un ser llegado de otro planeta aterriza en la Tierra con una misión: encontrar agua para salvar a los suyos. Bajo una identidad humana, crea una poderosa empresa tecnológica para financiar su regreso, pero el contacto con la sociedad moderna lo transforma. El dinero, el sexo, el poder y la ambición lo alejan de su propósito inicial. Aislado y vulnerable, acaba convertido en una sombra de lo que fue, víctima del mismo sistema que intentó entender.
La película aborda varios temas que se entrecruzan:
La alienación: tanto del ser que llega como de los humanos que lo rodean; todos están desconectados, incapaces de vincularse de verdad.
El capitalismo y la corrupción del ideal: el poder económico sustituye la misión inicial del protagonista, mostrando cómo toda utopía se degrada al contacto con el dinero.
La identidad y la pérdida del yo: el extraterrestre adopta una forma humana y termina confundido con aquello que imita.
La soledad y el deseo: el amor y el sexo aparecen como intentos fallidos de conexión, marcados por la culpa y la distancia.
La vigilancia y el control: la mirada del Estado y la empresa convierten su vida en experimento y espectáculo.
La condición humana: el film se pregunta si el progreso tecnológico implica sabiduría o solo acelera nuestra descomposición moral.
Las preguntas para el debate
¿Qué representa realmente el extraterrestre: un salvador frustrado o un espejo de nuestra propia decadencia? ¿En qué momento deja de ser “otro” y pasa a ser uno de nosotros? ¿La tecnología que crea es un intento de redención o una nueva forma de colonización? ¿Por qué la soledad se vuelve el destino común de todos los personajes? ¿El capitalismo aparece aquí como fuerza destructiva o simplemente como parte inevitable de la condición humana? ¿Qué papel juega el deseo en su caída: lo humaniza o lo destruye?¿Podemos ver su historia como una metáfora del artista devorado por el sistema? ¿Qué dice la película sobre la idea de progreso y sobre nuestra fe en la ciencia como salvación? ¿Qué significado tiene la vigilancia constante que sufre: paranoia o advertencia? ¿Sigue siendo posible “venir de fuera” y no quedar atrapado por la lógica de este mundo?
La película. Crítica e historia
Estrenada en 1976, The Man Who Fell to Earth dividió a crítica y público. Muchos espectadores no entendieron su estructura fragmentada ni su ritmo hipnótico, alejados del cine de ciencia ficción convencional. Con el tiempo, la película fue revalorizada como una de las más personales y enigmáticas de Nicolas Roeg. Su estilo visual —montaje quebrado, saltos temporales, simbolismo erótico y tecnológico— influyó en generaciones posteriores de cineastas. La interpretación de David Bowie, en plena cúspide de su etapa más andrógina y experimental, convirtió al film en un icono cultural. Su personaje encarna la figura del extranjero que observa la Tierra con asombro y termina absorbido por su corrupción. Hoy es considerada una obra de culto por su audacia narrativa, su crítica a la deshumanización moderna y su capacidad para anticipar temas como la soledad tecnológica y la identidad líquida.
Nicolas Roeg fue un director y director de fotografía británico con una fuerte marca visual. Trabajó en producciones como Lawrence de Arabiay Fahrenheit 451antes de pasar a la dirección. Debutó con Performance (1970), seguida de Walkabout (1971),Don’t Look Now (1973) y The Man Who Fell to Earth (1976).
Su cine se caracteriza por el montaje no lineal, el uso del tiempo como elemento narrativo y la exploración de temas como el deseo, la identidad y la percepción. En The Man Who Fell to Earth aplicó su estilo fragmentado a la ciencia ficción, mostrando la incomunicación y el aislamiento del individuo moderno.
Roeg influyó en muchos realizadores posteriores, entre ellos Danny Boyle, Christopher Nolan y Steven Soderbergh. Su obra ocupa un lugar destacado en el cine británico de los años setenta por su riesgo formal y su mirada psicológica sobre la realidad.
David Bowie en el cine
David Bowie llevó al cine la misma energía mutante que marcó su carrera musical. Su físico andrógino y su presencia enigmática le permitieron encarnar personajes que desafiaban las fronteras entre lo humano y lo extraño. Debutó en The Man Who Fell to Earth (1976), donde su interpretación del alienígena Thomas Jerome Newton coincidió con su etapa de Ziggy Stardust, y fue leída como una extensión de su propio mito.
A lo largo de los años participó en películas de estilos muy distintos: Just a Gigolo (1978), Merry Christmas, Mr. Lawrence (1983), The Hunger (1983), Labyrinth (1986) o The Last Temptation of Christ (1988). En todas aportó una mezcla de vulnerabilidad y distancia que hacía creíbles sus personajes marginales o visionarios.
Bowie entendía el cine como otra forma de creación de identidades. No buscaba realismo, sino presencia. Su paso por la pantalla dejó una huella visual y simbólica que lo mantuvo como figura de referencia para directores, músicos y artistas de distintas generaciones.
Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar con
– Una aportación de 3€ ó
– Una aportación de 5€
El pago lo podéis hacer por bizum al 654.80.54.37 o allí mismo al finalizar el cine debate.
y además debés de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números.
Llega septiembre y el comienza de la segunda temporada de nuestro cine debate “Un conejo con ojo”. En este nuevo año dedicaremos cada mes a un ciclo distinto. El de septiembre, bajo el título de Eros y Thanatos explorará el miedo y el deseo. El cine siempre ha explorado las grietas donde el deseo se encuentra con el miedo, con películas que combinan sexo y terror. En esa frontera, el cuerpo se convierte en escenario de lo prohibido, la carne vibra entre la entrega y la herida, y cada beso guarda el germen de un grito. Este ciclo propone un viaje a través de cinco obras que, desde distintas épocas y estilos, han sabido conjugar sexo y terror en un mismo latido.
2 de septiembre . It Follows (David Robert Mitchell, 2014) 9 de septiembre Crash (David Cronenberg, 1996) 16 de septiembre Raw (Grave, Julia Ducournau, 2016) 23 de septiembre Cat People (Paul Schrader, 1982) 30 de septiembre Shivers (David Cronenberg, 1975)
Cine Debate con It Follows. El deseo como maldición
Comenzamos el ciclo con It Follows el martes 2 de septiembre. Seguimos adentrándonos en los territorios donde lo íntimo se vuelve amenaza y donde el deseo abre la puerta a lo monstruoso. En nuestro ciclo de cine debate Un Conejo con Ojo: Eros y Thanatos, comenzamos con una de las películas más inquietantes de los últimos años: It Follows (2014), escrita y dirigida por David Robert Mitchell. Una historia en la que el sexo no es liberación, sino cadena; un acto que transmite una condena invisible, como si el propio placer llevara en su interior la semilla de la muerte.
Tras una relación sexual, Jay descubre que ha sido “marcada” por una presencia implacable que adopta distintas formas humanas y la persigue lentamente hasta alcanzarla. La única manera de librarse es transmitiendo la maldición a otra persona. Pero el mal no se extingue: se hereda. Así, lo erótico se transforma en paranoia, y la intimidad en territorio de miedo perpetuo.
Este thriller de terror contemporáneo combina elementos del slasher, el gótico suburbano y la alegoría social. Nos invita a preguntarnos si la verdadera condena es el ente que acecha, o el peso psicológico de sabernos portadores de un mal intransferible.
¡Nos espera una apasionante velada de deseo y sombras!
Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Acerca de It Follows
Estrenada en el Festival de Cannes de 2014, It Follows consolidó a David Robert Mitchell como una de las voces más originales del cine de terror reciente. La película se ganó el aplauso de la crítica internacional por su atmósfera sofocante, su puesta en escena y su capacidad para actualizar el mito del “mal sexualmente transmisible” con una estética inquietante y elegante.
La banda sonora, compuesta por Disasterpeace, aporta un pulso electrónico que late como un corazón enfermo. Sus sintetizadores retumban entre la melancolía ochentera y la ansiedad contemporánea, convirtiendo cada plano en un paisaje sonoro hipnótico.
La fotografía refuerza la sensación de amenaza difusa: planos abiertos, horizontes suburbanos donde cualquier figura que se acerque puede ser el monstruo. La cámara se mueve con lentitud obsesiva, como replicando el paso inexorable de la maldición.
Influencias y estilo
It Followsdialoga con:
Los slashers de los 70 y 80 (Halloween de John Carpenter, A Nightmare on Elm Street de Wes Craven).
El gótico suburbano de Stephen King y sus adaptaciones.
El cine de paranoia contemporánea (The Ring, Candyman).
Su estilo se nutre de la tradición y, al mismo tiempo, renueva el género con un tempo pausado y un terror más psicológico que explícito.
Recepción crítica
En Rotten Tomatoes cuenta con un 95% de aprobación, en IMDb con un 6,8/10, y en FilmAffinity con un 6,3/10. La crítica la describió como “una pesadilla urbana de aire retro y atmósfera opresiva”. Fue considerada una de las mejores películas de terror de la década de 2010.
Temas de debate de It Follows
Sexo y transmisión: ¿qué simboliza la maldición? ¿Es metáfora de las ETS, de la culpa o de la herencia del miedo?
Paranoia y vigilancia: ¿qué significa un ente que avanza despacio, pero sin detenerse jamás?
Juventud y herencia: ¿cómo dialoga la película con la idea de un mundo donde los jóvenes heredan los miedos de generaciones anteriores?
El plano abierto: ¿por qué la cámara insiste en mostrarnos espacios vacíos donde siempre puede aparecer una amenaza?
Eros y Thanatos: ¿cómo se entrelazan el deseo y la muerte en esta historia?
Cine Debate con Crash. Erotismo del metal y la carne
En el ciclo Un Conejo con Ojo: Eros y Thanatos seguimos transitando los territorios donde el deseo se funde con lo siniestro. Esta vez nos enfrentamos a una de las películas más perturbadoras y polémicas del cine contemporáneo: Crash (1996), dirigida por David Cronenberg. Una obra que convierte el accidente de tráfico en escenario erótico y el cuerpo herido en objeto de fascinación.
James Ballard, productor de televisión, sufre un accidente de coche que cambia su vida. En lugar de repulsión, descubre un mundo subterráneo de hombres y mujeres que experimentan una atracción sexual hacia los choques, las cicatrices y el metal retorcido. La colisión se convierte en rito iniciático, el dolor en estímulo, la herida en caricia.
En este filme, Cronenberg da un paso más allá en su obsesión por la “nueva carne”. Crash explora hasta qué punto el deseo humano puede desviarse hacia lo inconfesable, y cómo la tecnología y la máquina se funden con el cuerpo en un abrazo tan carnal como mortuorio.
¡Nos espera una velada sobrecogedora de carne y metal!
Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Acerca de Crash
Basada en la novela homónima de J. G. Ballard, la película fue estrenada en el Festival de Cannes en 1996, donde causó escándalo y fascinación a partes iguales. Obtuvo el Premio Especial del Jurado, con un acta en la que se reconocía su audacia y su capacidad de “abrir nuevos caminos en el cine”.
Protagonizada por James Spader, Holly Hunter, Elias Koteas, Deborah Kara Unger y Rosanna Arquette, el reparto encarna a personajes que viven en el borde, explorando los límites de la experiencia humana a través de la violencia mecánica.
Estética y sonido
La fotografía fría, casi quirúrgica, de Peter Suschitzky convierte los escenarios industriales y los coches destrozados en paisajes eróticos. Los interiores metálicos y el resplandor nocturno refuerzan la idea de que la modernidad es un terreno donde el deseo se deforma.
La música minimalista de Howard Shore, colaborador habitual de Cronenberg, añade un pulso contenido, como un zumbido interior, que acompaña la extrañeza emocional de los personajes.
Influencias y estilo
Crashse inserta en la tradición del body horror, pero abandona el gore y la mutación orgánica para centrarse en la fusión simbólica entre hombre y máquina. Dialoga con:
La obra literaria de J. G. Ballard, obsesionada con los traumas modernos.
El cine de Jean-Luc Godard en su etapa más experimental (Week-end, 1967).
La tradición futurista y tecnófila que ve en la máquina no sólo utilidad, sino fetiche.
Recepción crítica
FilmAffinity: 6,1 / 10
IMDb: 6,4 / 10
Rotten Tomatoes: 64 % (crítica), 54 % (público)
Una película divisiva: censurada y prohibida en varios países, adorada por críticos que la consideraron visionaria y denostada por otros que la tacharon de obscena o vacía. Con el tiempo, ha adquirido estatus de culto como una de las cumbres más incómodas de Cronenberg.
Temas de debate de Crash
Eros y Thanatos: ¿por qué el accidente automovilístico, emblema de la modernidad, se convierte en un acto erótico?
El cuerpo herido: ¿qué revela la atracción hacia la cicatriz y la deformidad?
Tecnología y deseo: ¿cómo transforma la máquina la manera en que concebimos la intimidad?
Fetichismo y sociedad: ¿hasta dónde puede llegar el deseo cuando se libera de toda norma social?
El amor y la catástrofe: ¿puede el choque, literal y figurado, convertirse en el único modo de conexión auténtica entre los personajes?
En nuestro ciclo Un Conejo con Ojo: Eros y Thanatos, seguimos explorando los territorios donde el deseo y el espanto se confunden. Esta vez viajamos a la frontera del rito iniciático, al despertar de la juventud cuando el cuerpo reclama su lugar en el mundo: Raw (Grave, 2016), ópera prima de la francesa Julia Ducournau. Un relato que entrelaza descubrimiento sexual, hambre literal y metamorfosis monstruosa en una misma pulsión.
Justine, una brillante estudiante de veterinaria criada en el vegetarianismo más estricto, ingresa en la universidad para iniciar sus estudios. En las primeras jornadas de novatadas, es forzada a comer carne cruda por primera vez. Ese gesto aparentemente inocente despierta en ella un apetito incontrolable: la carne animal ya no basta, y el deseo se transforma en necesidad de devorar a otros.
El viaje de Justine es una parábola sobre el despertar sexual, la hermandad, la transgresión y el descubrimiento de que la identidad no es nunca inocente. Ducournau convierte el campus universitario en un campo de pruebas donde eros y canibalismo se funden en un mismo rito de paso.
Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Acerca de Raw
Estrenada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes de 2016, la película sorprendió por su crudeza y su capacidad de conjugar el terror corporal con el relato de maduración adolescente. En su recorrido por festivales (Toronto, Sitges, Sundance) recibió premios y, en más de una ocasión, generó desmayos entre el público por la visceralidad de sus imágenes.
Garance Marillier encarna a Justine con una mezcla de vulnerabilidad y ferocidad, acompañada por Ella Rumpf como su hermana mayor, clave en el desarrollo de la historia. Su relación, a medio camino entre el amor y la rivalidad, articula el conflicto central: el deseo como herencia y condena familiar.
Estética y sonido
La fotografía de Ruben Impens aporta una paleta fría y clínica que contrasta con los estallidos de rojo visceral. La cámara se adentra en los cuerpos, en los rituales estudiantiles, en la fisicidad del deseo, con un naturalismo perturbador.
La música de Jim Williams, con sus notas disonantes y ambientes inquietantes, contribuye a crear una sensación de rito arcaico disfrazado de vida universitaria.
Influencias y estilo
Raw dialoga con varias tradiciones:
El body horror de Cronenberg, donde el cuerpo es siempre escenario de mutación.
Los relatos de iniciación (Carrie de Brian De Palma, Ginger Snaps de John Fawcett).
El canibalismo como metáfora del deseo reprimido, desde Trouble Every Day hasta The Silence of the Lambs.
Ducournau, sin embargo, imprime una voz personalísima: un equilibrio entre lo grotesco y lo poético, entre el rito tribal y la intimidad femenina.
Recepción crítica
FilmAffinity: 6,3 / 10
IMDb: 7,0 / 10
Rotten Tomatoes: 93 % (crítica), 76 % (público)
Elogiada por su frescura y su audacia, Raw se convirtió en un film de culto instantáneo. La crítica la destacó como uno de los debuts más poderosos del cine europeo reciente.
Temas de debate de Raw
Rito de paso: ¿qué significa que el despertar adulto esté marcado por la transgresión y la violencia?
Sexo y hambre: ¿qué relación hay entre deseo carnal y apetito caníbal?
La herencia familiar: ¿qué papel juega la transmisión entre hermanas?
Universidad como selva: ¿cómo funcionan las novatadas y rituales estudiantiles como metáfora de un mundo feroz?
El cuerpo femenino: ¿qué revela la película sobre el lugar del cuerpo de la mujer en la sociedad contemporánea?
En nuestro ciclo Un Conejo con Ojo: Eros y Thanatos, nos adentramos en un relato donde el amor y la carne se tornan metamorfosis: Cat People (1982), dirigida por Paul Schrader. Una historia en la que la pasión no puede consumarse sin invocar a la bestia que habita en lo más profundo del ser.
Irena, una joven interpretada por Nastassja Kinski, se reúne con su hermano Paul (Malcolm McDowell) después de años separados. Descubre entonces la herencia oscura de su familia: pertenecen a una estirpe maldita que, al entregarse al deseo carnal, se transforma en pantera. La atracción amorosa se vuelve amenaza, y el erotismo se convierte en monstruo.
Cat People no es solo un remake del clásico de Jacques Tourneur (1942): es un ejercicio febril de erotismo gótico donde los cuerpos se confunden con sombras felinas, donde la represión se convierte en condena, y donde amar es siempre arriesgar la propia forma humana.
Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Acerca de Cat People
Estrenada en 1982, la película de Schrader se caracteriza por su atmósfera sensual y oscura. Kinski y McDowell ofrecen interpretaciones cargadas de magnetismo, acompañados por John Heard y Annette O’Toole. El guion de Alan Ormsby reinterpreta el mito con un tono mucho más explícito que la sugerencia del original.
La música de Giorgio Moroder aporta una cadencia hipnótica y electrónica, mientras que la canción principal, “Cat People (Putting Out Fire)” interpretada por David Bowie, se convirtió en un himno icónico que atraviesa la película como un latido ardiente.
Estética y sonido
La fotografía de John Bailey explora la oscuridad con contrastes intensos y colores cálidos, subrayando la sensualidad latente. Los cuerpos desnudos, la sangre y las sombras felinas se entrelazan para construir un universo de erotismo fatal.
La ciudad de Nueva Orleans, con su aire pantanoso y decadente, se convierte en escenario perfecto para un cuento donde la pasión es también amenaza.
Influencias y estilo
El expresionismo y la sugerencia del cine clásico de Tourneur.
El erotismo febril de los 80, donde lo prohibido se filma con una intensidad casi barroca.
La tradición gótica de las “maldiciones familiares”, donde la herencia pesa como condena.
Schrader imprime a la historia un tono febril, cargado de sensualidad y violencia contenida, que la convierte en una pieza de culto.
Recepción crítica
FilmAffinity: 6,2 / 10
IMDb: 6,2 / 10
Rotten Tomatoes: 62 % (crítica), 53 % (público)
En su estreno fue recibida con división: acusada de excesiva por algunos, celebrada por otros como una obra de erotismo perturbador. Hoy es considerada un clásico de culto por su mezcla de sensualidad, terror y delirio visual.
Temas de debate de Cat People
Deseo y animalidad: ¿qué significa que el acto sexual despierte a la bestia?
Reprimir o liberar: ¿qué nos dice la película sobre la represión de los instintos?
Herencia maldita: ¿cómo pesa la familia como cadena de lo inevitable?
Erotismo y monstruo: ¿hasta qué punto lo prohibido potencia la atracción?
Remake y reinterpretación: ¿qué cambia Schrader respecto al original de 1942?
En el ciclo Un Conejo con Ojo: Eros y Thanatos volvemos a los orígenes del terror corporal contemporáneo con Shivers (1975), el primer largometraje de David Cronenberg. Una obra transgresora y polémica que, bajo la apariencia de una película de serie B, inaugura un nuevo territorio: el del deseo convertido en epidemia.
En una urbanización de lujo a las afueras de Montreal, un experimento médico se descontrola. Un parásito diseñado para reemplazar órganos comienza a propagarse entre los residentes, alterando su conducta sexual hasta transformarles en seres dominados por un apetito carnal incontrolable. Lo que comienza como un intento de mejora científica se convierte en un brote de deseo colectivo, violento y contagioso.
Con Shivers, Cronenberg anuncia el camino que recorrerá gran parte de su filmografía: el cuerpo como lugar de horror y de revelación, la ciencia como catalizador de mutaciones y la sexualidad como pulsión inevitablemente ligada a la destrucción.
Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Acerca de Shivers
Estrenada en 1975, la película causó un auténtico escándalo en Canadá, hasta el punto de generar un debate parlamentario sobre el uso de fondos públicos en cine considerado “obsceno”. Lejos de hundirla, aquella polémica convirtió a Shivers en un título de culto y abrió la puerta a la carrera de uno de los cineastas más influyentes del género.
Los actores Paul Hampton, Joe Silver y Lynn Lowry encarnan a personajes atrapados en un edificio que pronto se convierte en microcosmos de pesadilla, donde los ascensores, pasillos y apartamentos son invadidos por cuerpos poseídos por el parásito.
Estética y sonido
Rodada con bajo presupuesto, la película aprovecha la frialdad arquitectónica del complejo residencial para crear una atmósfera de laboratorio social. El contraste entre la modernidad de los espacios y el caos sexual que los invade produce un efecto inquietante.
La música de Ivan Reitman (sí, el futuro director de Ghostbusters) añade un tono casi irónico en momentos, reforzando la tensión entre el artificio cotidiano y el horror visceral.
Influencias y estilo
Shivers inaugura el body horror como género propio:
Una herencia de la ciencia ficción de los 50, donde la amenaza es contagio.
La tradición del terror sexual reprimido, desde Repulsión de Polanski hasta La invasión de los ladrones de cuerpos.
Una mirada clínica y, a la vez, grotesca sobre el deseo como fuerza imparable.
Recepción crítica
FilmAffinity: 6,0 / 10
IMDb: 6,4 / 10
Rotten Tomatoes: 85 % (crítica), 57 % (público)
En su momento, fue tachada de enfermiza y provocadora; hoy se la reconoce como pieza fundacional del cine de Cronenberg y del terror moderno.
Temas de debate de Shivers
El deseo como epidemia: ¿qué significa que el sexo se transmita como un virus?
La ciencia y lo monstruoso: ¿dónde está la frontera entre progreso y catástrofe?
El edificio como microcosmos: ¿qué dice la película sobre la vida en comunidad y la represión en la sociedad moderna?
Erotismo y violencia: ¿por qué el placer y el horror se confunden en la narración?
El nacimiento del body horror: ¿qué huella deja esta película en el cine posterior?
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar
Preciosa excursión por un entorno privilegiado que nos llevará al Valle de Navalmedio cerca del Puerto de Navacerrada, disfrutar de una cena cerca del Embalse de Navalmedio en un paraje ideal mientras vemos las estrellas con la luna nueva, y luego regresar al pueblo de Navacerrada
Descripción de la excursión del pueblo de Navacerrada al Embalse de Navalmedio
En esta preciosa excursión partimos del pueblo de Navacerrada y vamos hasta el maravilloso entorno del Valle del Navalmedio disfrutando del bosque, de las praderas, del embalse y de toda la magia que rodea a esta zona. Toda una experiencia que no podrás olvidar.
Desde nuestro punto de partida en el centro del pueblo de Navacerrada (La Esquina, P.º de los Españoles, 1) saldremos por la Parroquia de la Natividad y el cementerio. Al llegar a la carretera la cruzaremos e iremos subiendo por el camino que deja a la derecha al Arroyo del Chiquillo y a la izquierda el bosque. Tras subir un kilómetro aproximadamente cogemos el camino de la izquierda siguiéndolo hasta llegar a la carretera M-601. La cruzamos, llegamos a La Fonda Real y a la derecha sale un camino que nos llevará hasta el Valle de Navalmedio. Al llegar al arroyo de Matasalgado bajamos junto a él hasta llegar al parking del Embalse de Navalmedio. En un entorno cercano pararemos para cenar y disfrutar de las estrellas. (6,75 kms)
Luego regresaremos al pueblo de Navacerrada siguiendo la carretera que desde el parking del embalse de Navalmedio nos lleva hasta el Restaurante la Fonda Real. Dese aquí volvemos por el camino del inicio al punto de partida. El total del regreso es de unos 5,75 kms.
El total de la excursión es de unos 12,5kms.
Enlaces con el camino que seguiremos durante la excursión del pueblo de Navacerrada al Embalse de Navalmedio
Planning de la excursión y noche en vela de Navacerrada
Quedamos a las 19:00h en el punto de encuentro en La Esquina.
Salimos sobre las 19:15h y está previsto que hagamos la ida hasta el embalse en unas 2 horas.
En el embalse estaremos algo más de 2 horas:Cenando, viendo las estrellas, escuchando música.
El regreso lo iniciaremos como muy tarde a las 23:45h
Sobre la 1:30h estaremos en el pueblo de Navacerrada
Como ir y venir en transporte público
Aunque lo deseable es ir en coche compartiendo plazas (para ello organizaremos un grupo de whatsapp) se puede ir y venir en transporte público. Aquí os lo explico.
Se puede ir en transporte público en bus en la línea 691. Sale del intercambiador de Moncloa a las 17:00, 17:30 y 18:00 (Nivel -1, Isla 2, Dársena 21 – comprobarlo). Se tarda una hora aproximadamente.. Hay que bajarse en Paseo de los Españoles-Casa de la Cultura. Os recomendamos coger el de las 17:30h
Se pude volver en el mismo autobús ya que hay nocturnos. El bus de regreso sería el que sale a las 2 de la madrugada desde Navacerrada. En este enlace el horario
Precio de la excursión circular al Embalse de Navacerrada
El precio de la excursión es de 7€ (gratis para socios de Happening Madrid). Para asistir al meetup con nosotros hay que hacer reserva vía whatsapp al número de teléfono 640.743.115 (https://wa.me/+34640743115) y apuntarse al evento en el grupo de meetup Happening Madrid (https://www.meetup.com/es-ES/happening/)
Happening Madrid es un club de ocio alternativo que ofrece encuentros culturales y divertidos para salir en Madrid: Conciertos, cine de culto y documental, paseos o excursiones fotográficas, rutas gastronómicas y planes originales/distintos.
Todos los Happening Meetup tienen un punto de encuentro y un organizador. Os permitirá conocer a nuevas personas en Madrid con tus inquietudes y así poder disfrutar al 100% de esta ciudad. Nuestros encuentros siempre se componen de varias partes que complementan al evento principal con un antes y un después. Un punto de encuentro generalmente gastronómico para conocernos antes de ir y después, siempre que la hora y situación lo permita, continuamos para charlas, tomarnos algo o irnos de copas.
Happening Madrid es un grupo abierto a todas las personas que deseen disfrutar de un ocio de calidad en Madrid y que su único requerimiento es la pasión por lo que estamos haciendo.
¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias?
En estos enlaces te puedes poner en contacto con nosotros, obtener información y apuntarte a nuestras experiencias.
Música y Pitanzas 